T A B L A V I V I E N T E

Muestra de video y cine  en la Plaza Mulato Gil de Castro bajo el patrocinio del Museo de Artes Visuales:

 Cerca de 80 trabajos enviados al Museo de Artes Visuales fue el resultado de la convocatoria Tablaviviente interpelando  a artistas a través de las siguientes preguntas:

¿Trabajas con video, cine o una mezcla de éstos? ¿Tu propuesta artística tiene como prioridad la estética por sobre la narrativa lineal de la obra?

Esta invitación nace de la inquietud de Maria José Rojas, curadora y artista visual de indagar en los formatos y soportes utilizados hoy por artistas chilenos y extranjeros para su obra audiovisual. Enmarcado dentro del contexto de una investigación acerca de los soportes históricos y actuales de la imagen en movimiento y de los recursos tecnológicos de éstos, su interés se basa en la obra que opera en un plano visual y no narrativo.

Los orígenes del arte de la imagen en movimiento puede rastrearse desde dos prácticas artísticas: La primera, cronológicamente es aquella que nace del cine como soporte. Desde  los años 20 se presencia bastante experimentación de artistas visuales en torno a la imagen en movimiento, en forma de animaciones y film intervenido. Más tarde, al finalizar los 60 y 70 los artistas comienzan a usar el video como registro de sus obras. Ambas corrientes se desarrollan en forma independiente y de alguna forma corresponden a tipologías clásicas del arte: el expresionismo/surrealismo y el conceptualismo/minimalismo. Estas dos corrientes,  a razón de sus intereses y el soporte original de sus obras (cine o video) adoptan actitudes distintas frente a la preocupación por la superficie y acabado de sus trabajos. Mientras la corriente de artistas que trabajan, originalmente en cine aunque más adelante adoptan soportes más económicos, definen su obra en la materialidad de ésta misma, aquellos que vienen del registro en video hacen de la baja resolución una estética. Esta estética explota la sensación de registro (el arte está en el evento u objeto registrado, no en el video), de inmediatez y a la vez encuentran en el lenguaje urbano su nicho.

“ACCION SUDACA” es una iniciativa independiente sustentada en la a gestión de un grupo de estudiantes y ex alumnos universitarios ligados a las artes. A.S. tiene como objetivo generar un diálogo recíproco entre el quehacer artístico, la participación ciudadana y los espacios asociados a las artes visuales de nuestro país, con el fin de proyectarlos armónica, pluralista y equitativamente.

" Acción Sudaca " Lanza su programa de convocatorias 2011, para acceder a las bases debes registrate en www.accionsudaca.cl e ingresar al link "convocatorias". También nos puedes buscar en Facebook y twitter.

Todas nuestras convocatorías 2011 tienen requisitos diferentes respecto a lugar, edad,  tematica y  técnica.

Ayudanos a difundir nuestras actividades entre tus contactos.

Ver PDF aquí: http://revista.escaner.cl/files/A.S Convocatorias 2011 chico .pdf

De las Mutaciones

Mi ojo es mi corazón.
Pola Weiss. Teleasta.

VideoFest2k10. Diez años.

Araceli Zúñiga

Del 1 al 6 de noviembre se llevó a cabo en Mexicali la décima Bienal Internacional de Video y Cine Contemporáneo VideoFest 2K10, convocado por el Instituto de Cultura de Baja California  y el Fondo Regional para la Cultura y las Artes del Noroeste.Al dedicar este décimo Festival  al trabajo de la Teleasta mexicana Pola Weiss, se convirtió en el cuarto homenaje del año en donde espacios culturales muy importantes reconocieron el aporte de Pola al videoarte, al video independiente y al video experimental, así como el inquirimiento e investigación a las nuevas tecnologías.

Ángel Norzagaray Norzagaray, Director General del Festival, estableció que el Gobierno del Estado, a través del Instituto de Cultura de Baja California, con el afán de alentar el estudio de la cultura audiovisual en la región, viene organizando desde el año 2000 la Bienal de Video y Cine Contemporáneo VideoFest, misma que el año pasado llegó a su décimo aniversario, convirtiéndose de este modo en el festival más longevo, dentro de los de su género, en México.

La calidad y creatividad en la programación ha permitido, debido a la demanda de los participantes, tanto nacionales como extranjeros, que en esta ocasión el festival se enfoque con mayor énfasis en el género de la videodanza, implementando para ello actividades que le den solidez a este fenómeno a través de talleres y muestras nacionales e internacionales enmarcadas todas ellas, a manera de homenaje, en la enorme figura de la autodenominada “teleasta” mexicana Pola Weiss, pionera del videoarte y la videodanza en nuestro país.

THE BLACK SWAN: SUBLIME AGONÍA

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

Twitter: http://twitter.com/BargachMitre

El Cisne negro (The Black Swan/ 2010) es obra del talentoso Darren Aronofsky, quien después del rotundo éxito de “El Luchador” ( The Wrestler), ataca con una historia que mezcla drama y thriller psicológico, a través de la vida de una bailarina, una soberbia Natalie Portman, en un apasionante y oscuro retrato de los límites de la cordura, hecho con gran inteligencia y una experticia visual que logra que la historia trascienda la pantalla para tocarnos la fibra interior.

Bitácora de viaje de un director rebelde

De las Mutaciones

“PRESENT INTERVAL / INTERVALO DEL TIEMPO”
ARTE PÚBLICO ELECTRÓNICO
Alberto Roblest

Por Alberto Roblest y Araceli Zúñiga.

NADIE

giro la cabeza 360 grados / el silencio más absoluto

 como el de la noche de Tlatelolco / la noche de la caída del Imperio Azteca

Nadie de verdad

 ni un alma.

Alberto Roblest es un clásico del videoarte en México.

Es, también, una referencia obligada (y necesaria) siempre que nos acercamos al videoarte, al video experimental y al video independiente mexicano (y, desde hace un buen rato ya, al internacional)

Lo conocí a finales de los años 80, en la tercera Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental, realizada en Ciudad Universitaria y, por supuesto, en TV-UNAM. Allí presentaron él y César Lizárraga unos poemas chingonsísimos (cuando -casi- nadie se metía es estas camisas de once mil varas, únicamente Pola Weiss, por cierto). L@s poet@s visuales internacionales no dijeron mucho al final de los poemas visuales presentados por Roblest y Lizárraga. (Creo que no esperaban estos trabajos hechos aquí, en el meritito hoyo de pelos que es México).

Y de allí pal real, no hemos dejado de estar cercanos (de una u otra manera).

JAZZ VOYAGE (VIDEO TRIP)

En esta oportunidad y gracias al trabajo constante la calidad de ejecución  es más elaborada. una historia de jazz, noche y sensualidad en las calles de New York.

Música y Edición: Fernanda Bargach Mitre

Fotografía: Fernanda Bargach-Mitre y Juan José Marín Abadie

Música, fotografía y edición: Fernanda Bargach-Mitre

En esta entrega de VIDEO TRIP, presento la canción LATIN AGENT, acompañado de imagenes macros , reencuadradas y combinadas como fondo de una historia policial y detectivesca.

http://www.youtube.com/watch?v=-P3KOnHGcSo

Heather O’Rourke y el peor error de su vida: “Poltergeist”

Por Álvaro Oliva
alvaro_oliva@hotmail.com

Es imposible olvidar las tres películas “Poltergeist” repetidas desde los 80 en cadenas nacionales o vistas en formato vhs, en la misma década. Sin duda, para los pequeños que vivimos esa época no dejo de encantarnos semejante película de terror.

Un familia llega a una casa nueva donde unos espíritus se manifiestan a través del televisor hasta que finalmente secuestran a la menor, ya que los residentes no sabían que el nuevo domicilio se había construído sobre un antiguo cementerio


La creación, dirigida por Tobe Hopper (splatter”, “The Texas Chainsaw Massacre”, y “Carnaval del Terror”) posee excelentes efectos especiales y banda sonora.
 

MELANIE MANCHOT Y LA TENSIÓN ENTRE LA FUERZA Y LA VULNERABILIDAD

Por Marcus Vinícius
marcusvinicius@live.com.ar

"(…) His skin would seem to burst over such a mass of muscle. Buried in his clumsy movements is that sense of sadness of an over bred species, caught in his own monstrous body. He is a paradoxical creature: built to please, to be looked at, yet how can such an absurd body engage in sex, other than with itself…”
“Around the clock, always on the edge” by Dirk Peitz

   
Ver cómo uno de los símbolos del machismo, de la fuerza y del poder se despoja de su disfraz para mostrar su naturaleza humana quizás sea lo que más me interesa en la pieza Security (2005), de Melanie Manchot. Y luego, el cuerpo como un lugar de subjetivación y las construcciones culturales de identidades.
 
La video instalación de la artista alemana Melanie Manchot (Witten, 1966), retrata a guardias de seguridad de discotecas de Ibiza, en España, que van quitándose su uniforme para quedarse desnudos ante la cámara. Security se instala con una proyección a gran escala en la que se muestra a estos hombres desnudándose ante la cámara de la artista - quitando las capas del poder y la protección que llevan sobre sus cuerpos -, para que esta cree su obra. La video instalación se completa con una serie de 07 imágenes de los mismos hombres de pie, completamente vestidos, esperando su turno para realizar el strip-tease. Y los dos modos de presentación se intenta producir fluctuaciones entre la situación estática y la dinámica, entre lo activo y lo pasivo, tensiones entre fuerza y vulnerabilidad, - y ahí vemos a estos hombres libres de disfraces mostrando de algún modo su lado más humano. La banda sonora de los vídeos consiste únicamente en sonidos ambientales producidos al desvestirse: el de los zapatos, cremalleras que se abren y cierran, el roce de la ropa sobre la piel y los inesperados ruidos causados por objetos que caen de los bolsillos.

MIKA ROTTENBERG Y LA EXPLOTACIÓN DEL CUERPO

Por Marcus Vinícius
marcusvinicius@live.com.ar

"Mika Rottenberg envisions the female body as a microcosm of larger societal issues such as labor and class inequities. In her short films, women cast for their notable physical features and talents perform perfunctory factory-line duties, manufacturing inane items worth less than the labor required to make them. Her homemade machinery and décor are functional but crudely constructed ... [In] Rottenberg's unique narrative approach, action is compressed into layers of illogical activity [within] installations that physically echo the videos."
Trinie Dalton

Los vídeos de la artista argentina Mika Rottenberg (Buenos Aires, 1976) describen los sistemas de producción en masa de mano de obra que se ofrece exclusivamente por mujeres que utilizan su propio cuerpo como herramienta de trabajo y materias primas. Con humor, la artista examina los conceptos de alienación y explotación del cuerpo femenino, y conduce el espectador en el centro de estas pequeñas empresas que han dejado de producir, invita a que descubran sus obras en los dispositivos que se refieren directamente a la escena.

En Chesse (2008), Mika Rottenberg compuso un escenario inspirado en el cuento de los Hermanos Grimm Rapunzel y especialmente la historia de las hermanas Sutherland - que a finales del siglo XIX, se hicieron famosas en Estados Unidos por la longitud de sus pelos y que habían hecho su fortuna mediante la venta de un producto contra la calvicie.

Cheese se describe la vida pastoral de las mujeres confinadas en una granja donde se puede encontrar ningún rastro de la modernidad. Pero en esta vida, sobre la base de las fantasías se desarrolló alrededor de las hermanas Sutherland no es muy diferente del universo producido por los anunciantes a vender champú: un elixir de la juventud, una receta misteriosa, natural. El video muestra a las mujeres en lo que parecen ser absurdas e inútiles tareas repetitivas -muchos de ellos con la manipulación de su pelo largo, en una improvisada estructura de madera, rodeado de animales de granja.

VALENTINA BERTHELON

Por Yto Aranda

1-¿Por qué decides usar proyecciones de video y no crear una instancia interactiva?

El video es un medio que utilizo hace mucho tiempo  y con el cual  me siento muy cómoda . Me encanta  la libertad de acción  que te brinda al momento  de conceptualizar las instalaciones, ya que la proyección,  al estar hecha de luz, te permite recrear atmósferas y trabajar con las imágenes a gran escala. Cuando trabajas con proyecciones  que superan  la escala humana  puedes lograr que el espectador se sienta inmerso en un nueva realidad. En la videoproyección audio e imagen conviven recreando una experiencia integral.

Me atrae mucho la manera en que el arte actual  nos está dirigiendo hacia  instancias interactivas, y veo como mi trabajo se acerca cada día más hacia esa esfera de las nuevas tecnologías. En mi  obra, la interactividad  (vista desde otra perspectiva) se encuentra en el proceso en sí, al momento de realizar las entrevistas y dialogar con el entrevistado; ya que  en cada encuentro me enfrento a un nuevo mundo de información que va transformando la obra y sus contenidos, plasmando en video metáforas de esta interactividad.

UNA VISITA A LA CARTO: ELOISA CARTONERA,
EL COLECTIVO Y LA CATÁSTROFE

Por Carolina Benavente Morales

cbenavem@gmail.com 

Una vez, discutiendo con una curadora danesa sobre la etiqueta "arte latinoamericano",
le dije que solo me interesaba la segunda parte, "latinoamericano".
Si lo que hago es o no arte no me preocupa, sí que sea latinoamericano.

Javier Barilaro

ANTILEF, LA CAÍDA DEL SOL - FRANCISCO HUICHAQUEO

Dom, 09/06/2009 - 03:32

ANTILEF, LA CAÍDA DEL SOL

FRANCISCO HUICHAQUEO

En mayo de 2007 hice una entrevista en Escáner Cultural al artista Francisco Huichaqueo, desde entonces ha continuado con su trabajo, ha viajado y ganado algunos premios. También ha estrenado una nueva película, Antilef, La Caída Del Sol.

Conversamos sobre su nueva obra, su desplazamiento hacia el video y el cine, sus motivaciones para continuar con su intenso trabajo creativo…

Francisco es un artista sensible y apasionado, da todo por su trabajo y más. A la vez es generoso y solidario, pero también puede ser un guerrero. Se siente e intenta vivir como Mapuche. Aunque lejos de su tierra, siempre vuelve a retomar energías a reencontrase con su gente, a alimentar su alma con el espíritu de sus ancestros.

Francisco Huichaqueo fotografía Fernando Melo

Entrevista

MOVIMIENTO, PINTURA, EXPERIENCIA Y MÚSICA

Estos aspectos son la base de tu obra y siguen marcando tu forma de trabajo siendo esenciales tanto en tu propuesta visual, tu discurso conceptual y tu pasión personal. Por favor, si puedes detenerte un poco en cada uno de estos aspectos…

Movimiento (cámara tiritona a veces ¿por qué?)

Primero que nada el estilo o recurso de la cámara tiritona es para dejar en evidencia que lo que esta pasando en la pantalla es grabado por una persona, en este caso el propio artista. Me gusta en algunas ocasiones transitar por ese estilo, pienso que acerca  a la gente, saber que esta escena fue grabada por  una cámara operada por un camarógrafo. Se usa mucho en el documental y eso es lo que me gusta, ese uno a uno, es como sostener una conversación frente a frente con una persona,  para mí esa es la idea de cuando muestro algo, acercar a la gente y esa manera “tiritona” es la que  me permite  causar esa sensación.

¿Por qué?, por que  me cansa  ver piezas de arte que no dialoguen contigo,  no comparto  el arte contemporáneo en el que se espera que el espectador sea un erudito para lograr entender algo. El otro motivo es por que hay imágenes  que se presentan ante tus ojos que no ameritan tanta producción, son cosas realmente bellas que ya están listas, llegar y grabar,  por que si ficcionamos a través de un guión tal vez sí se puede causar el mismo impacto, pero el nivel de" asperosidad" que genera ese hallazgo es increíble e irrepetible, por que los momentos o las escenas son irrepetibles, por lo que en esas circunstancias saco mi cámara y voy tras mi paisaje y en el camino  me preocupo de cómo regular y setear la cámara, pero a ese margen de error yo le encuentro la belleza, sólo hay que disponerla bien al momento del montaje