Jue, 11/13/2008 - 15:47 | 
REGINA JOSÉ GALINDO EN CÓRDOBA, ARGENTINA
Por Silvio De Gracia
Entre el 4 y el 10 de agosto la prestigiosa artista guatemalteca Regina José Galindo estuvo en Córdoba, Argentina, para desarrollar una amplia agenda que incluyó dos acciones, una conferencia y un taller de performance. Organizado por la artista cordobesa Soledad Sánchez Goldar, y con el apoyo institucional del Centro Cultural España Córdoba, el encuentro con Regina José Galindo permitió a los artistas y al público adentrarse en la obra de una de las artistas de performance más relevantes de la escena latinoamericana actual.
Consagrada en la 51 Bienal de Venecia, al ganar el León de Oro a artista joven, Regina José Galindo ha tenido una carrera casi vertiginosa que la ha llevado a participar en importantes exposiciones como la II Bienal de Moscú; I Bienal de Arte y Arquitectura Islas Canarias; III Bienal de Albania, Tirana; II Bienal de Praga; III Bienal de Lima, Perú; I Festival de Arte Corporal, Venezuela; IX Festival de Performance ExTeresa, México D.F. y en diversas muestras en museos e instituciones alrededor del mundo. Su obra es siempre visceral y polémica. Sus acciones de gran impacto hablan de la muerte, la violencia, el dolor, la memoria histórica y las situaciones de injusticia. Su cuerpo es la herramienta privilegiada en la que se centran sus acciones, y este cuerpo puede presentarse desnudo, torturado, indefenso, cortado o sedado, en rituales que casi nunca excluyen el dolor. Son ya célebres acciones como Perra, donde se escribe esta palabra en una pierna cortándose con un cuchillo; Himenoplastia, en la que se somete a esta operación en una clínica clandestina de Guatemala; Limpieza social, en la que está desnuda y es rociada con el agua de una manguera antimotines; No perdemos nada con nacer; en la que se hace tirar en una bolsa plástica en un basurero municipal; o Carnada, donde, embarazada, cuelga dentro de una red junto al mar.
En Córdoba, la artista presentó una vez más una performance austera, trágica e impactante. Titulada Reconocimiento de un cuerpo, la acción proponía al público enfrentarse a una sala que funcionaba como una morgue, donde el cuerpo desnudo de la artista se ofrecía en una camilla, sedado y ausente, “muerto”, bajo una sábana que debía descorrerse para descubrir a quien yacía debajo. De esta manera, Galindo no sólo habló de la muerte, sino que estableció un nexo entre Argentina y Guatemala porque según la artista ambos países tienen “historias, raíces, problemáticas similares”. En el caso de Argentina, la obra adquiere un tinte eminentemente político, asociándose al tema de los desaparecidos y el terrorismo de Estado ejercido por la dictadura. Pero la misma acción, conectada con la realidad guatemalteca, como indicó la misma Galindo, sólo habla de la violencia y de los muertos que cada día deben ser reconocidos por sus familiares.
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LUTZ Y OWENS: SOMOS IGUALES EN CUALQUIER RINCÓN
Alvaro Oliva
Jesse Owens fue un importante atleta norteamericano que se destacó en Berlín 36, en una época monstruosa donde el ser humano mostró lo peor de su esencia en las guerras mundiales. En aquellos años, se había organizado este encuentro deportivo en el cual Hitler pretendía llevar su ideología de la raza superior también al deporte.
James Cleveland Owens, nació en 1913 en Danville, Alabama. A la edad de siete años trabajaba recogiendo algodón en los campos de los terratenientes.
Su familia se trasladó a Cleveland, Ohio, cuando tenía ocho años. En esta nueva ciudad siguió trabajando para ayudar a sus padres que eran pobres.
El entrenador Charlie Riley descubrió el talento para el atletismo de Jesse, y se ofreció a entrenarle por las mañanas para que pudiera seguir trabajando en las tardes. Ya entonces destacó en el salto de longitud, la carrera de cien metros y la de 220 yardas.
Después de una excelente actuación en los Campeonatos Interescolares de Chicago, se fue la universidad estatal de Ohio donde ingresó al equipo de atletismo de la universidad.
Acudió al "Big Ten" de Ann Arbor en 1935, a pesar de llevar una semana recuperándose de una caída por las escaleras. En menos de 45 minutos batió tres records mundiales e igualó el de cien metros lisos.
MINAS. DISPOSITIVOS EN LA MATRIZ. Valparaiso 2008
Columna de Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com
MINAS. DISPOSITIVOS EN LA MATRIZ
17-18-19 OCTUBRE. VALPARAISO.
Por: M. Elena Retamal Ruiz
I.- MINAS
La noción de Hegemonía se define como la capacidad que posee un grupo o sector de la sociedad para lograr el consenso a favor de sus intereses particulares, haciendo que estos se perciban como generales. Dicho consenso es entendido como natural para todo el resto del grupo social. Sin embargo la hegemonía no es pasiva, no se constituye por única vez y para siempre sino más bien está en constante renovación porque se encuentra permanentemente resistida y desafiada. Este proceso de resistencia a un sistema determinado establece discusión, fractura o cicatriz en torno a la dimensión simbólica que lo contiene. Manifestaciones artísticas se ubicarán en esos espacios de conflicto entre las representaciones y las significaciones, como cuerpo alternativo de prácticas culturales, que buscan sensibilizar a la sociedad frente a los modos de representación que le son dados como únicos y verdaderos. Podemos establecer en este ámbito la relación entre Arte y Política, es decir en los espacios de interferencia, de cruce frente a los discursos totalizantes.
EN EL LIVING - EXPOSICION DE RODRIGO AGUILÓ EN EL ALAMEDA
Por Enzo Blondel
VIDEO EXPOSICION RODRIGO AGUILO SCHIAFFINO por Enzo Blondel
LA DUALIDAD DELA IMAGEN,
¿CRITERIO EPISTEMOLÓGICO Y EXPERIENCIA ESTÉTICA?
Parte I
Si aceptamos que una de las finalidades de Platón al escribir El timeo[1], es el intento de proveer una narración, como visión del mundo, que cumpla la función de mito fundante, para un griego que es en primera instancia, un ser político. Podemos entonces afirmar que, la narración exige responsabilidad a quien habla, frente a quien escucha. Es pues, un deber político, el estar atento a la complejidad de las interpretaciones que provienen de un discurso, configurando sus argumentos a la manera de la ciencia: como una narración posible. Tomando en cuenta lo dicho anteriormente, nos acercaremos al papel que le asigna a la imagen inmersa en el mito, y partícipe del proceso de conocimiento. Ambos cohesionantes de lazos sociales. Quintín Racionero nos dirá:
…la narración cosmológica del Timeo constituye una introducción a un problema estrictamente político, siendo este último, en consecuencia, quien determina la finalidad de lo que en dicha narración cosmológica se estudia…
El performance es Salomé entregando
la cabeza de Bush: María Eugenia Chellet
el momento de la seducción
el suspenso de la seducción
el álea de la seducción
el accidente de la seducción
el delirio de la seducción
el descanso de la seducción
“De la Seducción”, Jean Baudrillard.
De las Mutaciones
Araceli Zúñiga
Con María Eugenia Chellet, de la Serie Mujeres en Acción, investigación y juego de Josefina Álcazar, nos acercamos al performance a través de María Eugenia Chellet y, por lo tanto, al juego (peligroso) de la seducción.
Todo es seducción, sólo seducción, dice Baudrillard en su delicioso ensayo sobre la seducción. Y agrega: Han querido hacernos creer que todo era producción. Leitmotiv de la transformación del mundo: el juego de las fuerzas productivas es el que regula el curso de las cosas. La seducción no es más que un proceso inmoral, frívolo, superficial, superfluo, del orden de los signos y de las apariencias, consagrado a los placeres y al usufructo de los cuerpos inútiles. ¿Y si todo, contrariamente a las apariencias –de hecho, según la regla secreta de las apariencias- si todo obedeciera a la seducción?
Fuera de ti no hay buscarme,
porque para hallarme a Mí,
bastará sólo llamarme,
que a ti iré sin tardarme
y a Mí buscarme has en ti.
(Santa Teresa de Jesús)
EL ESTARCIDO O ARTE DEL ESTÉNCIL UN HACKING VISUAL
Una mirada a la escena colombiana
Estudio Agite – Grupo de Agitación Visual – Fragmento Mural – Medellín – Colombia / http://www.estudioagite.com
PARTE VII
EL ESTÉNCILURBANO Y LA AGITACIÓN VISUAL EN COLOMBIA
Autor: Tulio Restrepo Echeverri
e-mail: tulio.restrepo@une.net.co
Continuación.
En este acápite se expone a continuación diversos aspectos que configuran la actividad de algunos de los grupos o colectivos de agitación visual en Colombia, que continúan vigentes en las principales ciudades colombianas con el propósito de delinear su actividad identificando aspectos de su producción, comunicación y estética en sus contextos y zonas de actividad particulares; reseñando a través de la búsqueda en Internet y la entrevista directa, un perfil que connote además de la práctica artística de las modalidades específicas del género del Street art, entre ellas el arte del esténcil, el desempeño profesional en diseño gráfico, diseño de vestuario, en la publicidad y el diseño de multimedia, entre otros asuntos.
Además, se resalta la forma ideológica presente en los esténciles callejeros orientada al cuestionamiento de lo político y lo social de manera local en contraste con la producción internacional de artistas consagrados, desde los cuales se rastrearan datos claves que arrojarán nociones acerca de la conexión de la escena del esténcil en Colombia respecto a los antecedentes, influencias sobre su obra y actualidad en el panorama de esta tendencia dado el despliegue y representación de su imagen como artistas en la Web.
Esténcil anónimo, Medellín - Colombia.
Foto: Tulio Restrepo Echeverri. 2008
10 PELÍCULAS, 10 HISTORIAS (3RA PARTE)
En esta oportunidad he elegido películas de diversos géneros: acción trepidante, drama, suspenso psicológico, comedia, fantasía, que tienen en común el elemento de la originalidad, ya sea en el planteamiento del guión, la cinematografía o la trama. Son películas que destacan entre el resto, dándonos un respiro de aire fresco ante tanto cine repetido basado en formulas exitosas. Estos films dieron un paso más allá para convertirse en cintas de este milenio que vale la pena destacar.
The Jacket (2005): La circularidad del tiempo
Hay varias cosas atractivas que perfilan a ‘The Jacket’” como una de las películas más interesantes de las estrenadas durante el 2005: Su director, el pintor y cineasta John Maybury, pertenece al cine independiente, ha dirigido mas de 10 películas desde el año 82 y no se ha limitado al rol de director probando su multifacética personalidad como editor, escritor y hasta productor. Es un hombre entregado al séptimo arte, con una pasión por la pintura que le proporciona un sentido muy profundo de la imagen que sabe trasmitir en este film impactante en lo visual y sumamente controversial en su contenido. No pertenece a ningún género específico, porque está muy lejos de ser una mera película de terror y suspenso, si bien estos elementos están presentes, hay en la trama un planteo de ciencia ficción que implica premisas filosóficas frente a la existencia: ¿Podemos viajar al futuro? ¿Tenemos el chance de cambiarlo o somos meros objetos del destino? ¿Existe realmente el libre albedrío?...Lo más interesante es que el film no intenta contestarnos con largas explicaciones, funciona simplemente como botón propulsor de la mente del espectador. Jack Starks (Adrien Brody) es un ex combatiente de la guerra del golfo (1991) que después de recuperarse de un balazo en la cabeza, retorna a su nativo Vermont sin saber muy bien a dónde se dirige. Bajo extrañas circunstancias se verá acusado de un crimen que no recuerda y será confinado a un asilo para criminales enfermos mentales. Allí un doctor lo someterá a un tratamiento experimental que consiste en inyectarle un cóctel de drogas y confinarlo a una chaqueta que lo inmoviliza totalmente mientras a su vez es metido en un cajón de la morgue. A partir de cada sesión Jack comienza a viajar al futuro y se entera que morirá en 4 días del tiempo real, pero no sabe dónde ni porqué. Es así como iniciará una carrera contra reloj para descubrir como evitar su muerte, lo que le da al film un ritmo vertiginoso: ¿Podrá descubrir como seguir vivo? ¿Podrá cambiar el destino?.... No se trata de una historia lineal, no tiene un final claro, por lo que puede resultar algo densa y compleja por su estructura narrativa. A través de Flash Backs vamos recordando el pasado de Jack, teñido de tonos verdosos. Con un sugestivo montaje entramos a su mente y nos deslizamos al futuro ambientado con colores cálidos primando los naranjas en un magistral manejo de la fotografía. Varios tiempos se desarrollan paralelamente y están profundamente entrelazados, como lo están pasado, presente y futuro, en un juego de causa consecuencia que nos plantea dilemas existenciales. ¿En que punto se rompe la barrera entre lo que fue y lo que será? ¿Existe la posibilidad de viajar en el tiempo tan solo con la mente?. ¿Es el tiempo circular? ¿Son el pasado, presente y futuro paralelos?.....estas son algunas de las interrogantes que nos deja esta impresionante película.
CRÓNICA DE IBEROAMÉRICA CAMPUS PARTY
Por yto.cl
Un día cualquiera me llega una invitación por e-mail para ir a una evento de líderes de Internet, para mi sorpresa, con todos los gastos básicos pagados, aunque no fuese un hotel, sino carpas, el avión clase económica y como condición, llevar tu computador, sea este portátil o de escritorio.
Pronto comencé a investigar acerca de este evento y acerca del país en donde se realizaba, El Salvador. A medida que investigaba mi entusiasmo iba creciendo, eso de estar con aproximadamente 600 personas fans de los avances tecnológicos y de Internet, me hacía pensar que iba a ser una experiencia muy especial. Y así fue.
Desde el encuentro con otros chilenos invitados en el aeropuerto, igual de sorprendidos y entusiasmados, todo fue buena disposición, comunicación y bastante alegría.
Algunos de los chilenos en Campus Party
Arribamos finalmente a El salvador , éramos 31 de Campus Party en el mismo vuelo, ya era genial eso de ¿tú vas a la Campus Party? Sí! Otras personas estaban invitadas a la Cumbre Iberoaméricana de Jefes de Estado, por lo que ya se imaginan que fue un vuelo fuera de lo Común.
Nos esperaba un bus amarillo, más parecido a una micro, y el calor era bastante insoportable, además la aduana demoró más de una hora, ya que algunos campuseros traían equipos más sofisticados… pero no mermó el entusiasmo, comenzamos el camino, una carretera en medio de un paisaje tropical, nos llamó la atención mucha policía o militares, con armas de notorio tamaño….
Al fin llegamos al Complejo Deportivo Ciudad Merliot, en donde nos recibieron con entusiasmo, cariño, registraron nuestros lap-top, nos dieron la credencial y nos presentaron nuestros dormitorios – carpas, los que afortunadamente, estaban bajo techo.
No todo fue confort y felicidad, las duchas eran de agua fría (brrrrrrrrr) y la comida empeoraba cada día (snif!!), pero que importa un poco de sacrificio, si teníamos a nuestra disposición una piscina olímpica para pasar el calor, y cientos de colegas con los que compartir las más diversas experiencias en el área de la computación.
GEORGE CLOONEY: UN HOMBRE SORPRENDENTE
Fernanda Bargach-Mitre
George Clooney se dio a conocer por su papel en ER, por el cual ganó un globo de Oro como mejor actor dramático en la serie de TV. A partir de este trabajo le empezaron a llover ofertas en el cine, comenzando por el protagónico en “From Dusk Till Dawn” (Abierto hasta el amanecer), un delirante thriller vampírico de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino donde el actor demostró una fuerza interpretativa resaltante. A estas le siguieron muchos otros films, hasta su incursión como productor junto a Steven Soderbergh y finalmente su inicio como director en el año 2002 con “Confessions of a Dangerous Mind” (Confesiones de una mente peligrosa) una excelente ópera prima que ratificó el carácter multifacético de este actor, capaz de emprender múltiples retos. Sin duda se trata de un hombre sorprendente.
Sus comienzos en el cine fueron al principio en películas de buena factura pero más comerciales que intensas como “One Fine Day” junto a Michelle Pfeiffer, una comedia romántica muy agradable. Su primera colaboración con Soderbergh como director fue en “Un romance muy peligroso”, un inteligente thriller de acción. El actor protagonizó varias películas en esos años que pasaron sin pena ni gloria como Batman & Robin y The Peacemaker. Pero en el año 1999 tomó el principal en Three Kings, un drama bélico muy irónico dirigido por David O. Russell, que obtuvo muy buenas críticas, y ratificó el talento de Clooney como actor. El crítico de cine Roger Ebert describió la cinta como "una extraña obra maestra, una película de una alocada guerra que mezcla acción y humor golpeándonos de frente dando lugar a una crítica política. Poco a poco Clooney se acercaba más y más a ser considerado un actor serio capaz de actuar en films profundos de esos que nos dejan reflexionando sobre el mundo en que vivimos. Para seguir con el buen cine su siguiente trabajo fue bajo la dirección de los hermanos Coen en “O Brother, Where Art Thou?” en el año 2000, donde encarna a Everett que junto a sus dos amigos escapan de la prisión donde estaban condenados a trabajos forzados y que con la meta puesta en un tesoro enterrado recorrerán en su búsqueda las tierras allende Mississippi encontrándose en el camino con toda suerte de personajes. Una cinta sin duda original y divertida que le mereció un Globo de Oro al actor.
La realidad virtual y la obra de Eulàlia Valldosera
Alberto Caballero
El aparato de la sexualidad freudiana, su regulador, era el fantasma. La sexuación como una escritura tenía su origen en el fantasma: 'un niño es pegado', los elementos y su relación provenían de esta formulación, de la formulación de esta escena primordial.
Dos actores: un adulto y un niño, un sujeto y un objetoUna pantalla, o un aparato, un operador + -Una escena, un espacio Desde el psicoanálisis decimos que la realidad para el sujeto será fantasmática. Realidad y fantasma si no son lo mismo, dicen lo mismo del sujeto: cómo este está limitado por el fantasma y cómo desde allí construye y vive su realidad, la única posible. Lo imposible es la otra, la otra realidad: el delirio. El delirio será la otra realidad, la no fantasmática, o la realidad en tanto imposible, la que no cesa de insistir, la que no deja de hacer síntomas. Los sueños, los proyectos irrealizables, lo inalcanzable, será el resto de la realidad en tanto fantasmática imposible de realizar. Con Lacan esto cambia radicalmente. La sexuación del sujeto no estará sólo sujeta a una frase, sino también sujeta a una formulación con dos términos específicos: el falo y el objeto, que es lo mismo que decir al significante y al signo, como no todo se puede significar, lo que resta lo deberá considerar como un signo. Si se coloca del lado hombre o del lado mujer, cambia su posición frente a la significación y al objeto. Del Otro va a extraer los significantes, y del Otro también va a extraer el objeto. Así, los modos de tratar a unos y a otros dará como resultado su sexuación.
Se produce otro cambio radical cuando Lacan se da cuenta de que la bipolaridad de sus fórmulas de la sexuación no le permite introducir la terceridad: lo real, el sexo; lo simbólico, el significante; lo imaginario, la imagen. ¿De qué modo formular una sexuación desde el significante pero también desde la imagen? Aquí nos propone el nudo, el nudo borromeo, y su teoría de los anudamientos. La sexuación no sólo es una cuestión de formularse hombre o mujer, sino de anudarla, anudar el sexo con el significante y con la imagen.
En este punto surge otra cuestión fundamental: la realidad sexual. El sujeto puede formular su sexuación, la puede simbolizar, puede simbolizar el sexo, pero también lo tiene que realizar, y ante todo lo tiene que imaginarizar. No sólo es resultado de operaciones entre lo real y lo simbólico, sino entre lo real y lo imaginario. Hasta aquí Lacan no se olvida del falo, ni del Otro. Entonces surge su escritura de ð como tríada con las modalidades del falo, la mujer como letra ante el otro significante, no toda significante entre lo Real y lo Imaginario. Entre lo real y lo imaginario no-toda mediada por lo simbólico.
SNIF, ESPERANDO A MANDELBROT
por Juan José Díaz Infante
Jdiazinfante@altamiracave.com
El año pasado organizamos el primer encuentro de Ciencia y Arte donde nuestro invitado principal fue Sir Harold Kroto. Todo salió muy bien y todo pedía organizar el siguiente evento. Debido a las referencias del edificio en el cual habíamos hecho el evento, una esfera perfecta de tres pisos armada de triángulos de distintos tamaños. El siguiente invitado lógico para el Segundo Encuentro de Ciencia y Arte era Benoit Mandelbrot, el personaje que había establecido las reglas matemáticas de los fractales.
Originalmente cuando le escribimos Mauricio Terrones, Harold Kroto y yo, por ahí de marzo. Nos contestó que aceptaba con gusto a unirse a nuestra misión, pero que no nos podía dar la fecha. Decidimos poner en stand by el evento hasta que Mandelbrot nos diera fecha de su agenda.
REalmente nos entusiasmaba mucho su participación. Meses después, durante el Verano, nos dijo que si nos tenía que dar fecha, era mejor cancelarlo. Le propusimos que nos diera una videoconferencia y nuevamente aceptó a mandárnosla por que eso sería más fácil y conveniente a su agenda.
Le pusimos fecha al evento emocionados de que Mandelbrot nos íba a mandar un video hablando de nuestro tema de Ciencia y Arte. Deafortunadamente hace un par de semanas nos envió un correo diciendo que tampoco nos podía mandar un video. Es por eso que ustedes en un momento dado pueden haber tenido comunicados nuestros anunciando a Mandelbrot como participante. No fue nuestra intención en ningún momento estar editando información poco exacta.
Para reemplazar a Mandelbrot contactamos a Aldo Cibic, Manuel Castells y Einar Thorstein. Los cuales no estuvieron disponibles en nuestras fechas. Sin embargo, aprovechando la inercia, ya hemos establecido contacto con ellos para promover el 3er Encuentro de Ciencia y Arte del año entrante.
MARTÍN ERAZO, GALLO DE PELEA QUE REVUELVE EL GALLINERO
Por: Javiera Torres Bacigalupe
Es cosa de haber visto a La Patogallina aterrizar en alguna plaza, cúpula o teatro (de preferencia al aire libre) con algún espectáculo que invita sin invitaciones al encuentro con el fenómeno teatral. Ciertamente que para aterrizar en tierra firme hay que saber descender sin novedad, pero en este caso la irrupción del espectáculo es una irrefutable novedad aterrizada que no deja a nadie sin sacudir. Todo ha estado dispuesto para ese efecto, todo planeado y ejecutado al servicio del suceso sensible, los botones del vestuario, la música y sus silencios, la línea del maquillaje, los pernos de la escenografía, la pintura de la utilería, la preparación de los actores, la historia que se cuenta y cómo se cuenta, todo. Todo para que el espectáculo nazca por primera vez cada vez. Estos artistas son el canal y el espectáculo el fin de todos ellos.
Bastaron pocas preguntas tras bambalinas para que las palabras de Martín Erazo, el director del Colectivo Artístico La Patogallina, nos hablen por sí sola.
¿Cuál es el origen del Colectivo Artístico La Patogallina?
A mediados de los 90' llegué a vivir de casualidad a una casa en Huérfanos con San Martín. Allí conocí a Rodrigo Rojas, Eduardo Moya, y Sergio Pineda con quienes nos hicimos amigos. Empezamos a ir con otro grupo de personas al Parque Forestal, no éramos más de 20 y nos conocíamos entre todos. Esta ida al Parque, era un encuentro de varias cosas, más allá de malabares. Después de discutir en la bancas del Parque, nos íbamos todos a un cerro en la noche a unas cuevas a seguir conversando.
En ese tiempo empecé a conocer a harta gente, actores y quienes estaban empezando a relacionarse con el circo que hasta ese momento era algo nuevo. Después de un año de estos encuentros, se generó un taller de circo que lo hizo el Pablo Potojniak con Camilo Prado. Nicolás Torres (ex baterista de los Petinellis), Cristóbal Carvajal y yo, compusimos la música a todos los números del taller. En uno de esos números estaba Sergio Pineda, Rodrigo Rojas, Eduardo Moya, entre otros. Terminado el taller decidimos seguir trabajando juntos arreglando el número. Fue entonces cuando entraron las mujeres, Gloria Salgado y Cecilia Canto. Por esas fechas nos llegó una invitación a presentar el número a la Primera Convención de Circo y Arte Callejero en Buenos Aires en 1996. Fue en el camino a Argentina donde decidimos ponerle "A Sangre E' Pato" a nuestro espectáculo. Como íbamos sin muchas expectativas, pero sí con un gran impulso a presentarnos, nos sorprendimos de la acogida que tuvimos. Incluso, con muchos grupos independientes de artistas callejeros llegamos a formar lazos estrechos. Toda esa experiencia fue un empujón súper fuerte para que al volver a Chile no paráramos nunca de trabajar, hasta el día de hoy.
PROYECTO MODULAR + VIAJE + ESTADO DE DESARROLLO
Por yto.cl
Cito:
“Modulares un grupo independiente con sede en la ciudad de Córdoba, Argentina, formado en el año 2007 con el objetivo de fomentar la consolidación de un polo local de producción y pensamiento en torno a la tríada arte-tecnología-sociedad.
Modular es también un proyecto de producción, reflexión y documentación sobre 10 años de trabajo en arte y tecnología en Latinoamérica, que a partir de un relevamiento del estado de la cuestión se propone favorecer el abordaje de esta problemática a través de diversos ejes: difusión/exhibición, reflexión, formación, producción y relación.”
Así se autodefine MODULAR en su sitio web, pero como me comenta Sebastián Mealla, Coordinador General, estos planteamientos iniciales se están transformando, a partir del proceso que ha ido experimentando y resultado de su primera itinerancia sudaméricana.
Estuvieron de visita en Santiago de Chile, oportunidad que tuve para tener contacto personal con ellos y en especial con Fran Ilich de México y Brian Mackern de Uruguay, artistas con los que me comunico hace mucho tiempo.
