blog de Escaner 1.0
Sáb, 05/07/2011 - 20:56 | 
LA FUNCIÓN O TRANSFORMACIÓN DE LOS POETAS
Por : Salomón Valderrama Cruz
La flor amarga que es figura esbelta
Está pariendo a su hijo el esperpento
Aquel que erigirá en el propio llanto
La flor que será la materia muerta
De Las flores negras
¿Existe algún papel para los poetas en la actualidad? Me refiero, no a la acción de escribir y exponer un mundo íntimo en la hoja en blanco o en el ordenador vacío, sino al papel de cambiar y ordenar la realidad, la nueva realidad, la posible realidad. La que indefectiblemente nos sumerge o conduce a la reducción de recursos necesarios para sostener la vida (todas las variantes posibles de las plantas) como la conocemos y concebimos: nuestra vida. O, en paralelo, para sostener el equilibrio vital (el ciclo de interrelaciones), se encarga, la naturaleza sabia tiene que extinguir alguna forma viva (especie cuyos recursos carecen de espacio, de espaciotiempo) para que radicalmente no se extingan cuatro o dos o tres. La misma realidad (realidad = naturaleza) que asume el rol de transformar los organismos (evolución = adaptación = mutación) para los nuevos ambientes (biotopos) más hostiles, más inhóspitos para las otras especies no partícipes de la transformación; a veces radical (una gran explosión) o a mejor cuantía y adaptabilidad, proceso paulatino y lacerado (deseo o función eutanasia). Pero, claro, es algo que no es nuevo sino que viene copulado a nosotros desde la primera vez que un hombre definió o remarcó el espacio o territorio que podía habitar, tal o, esa especie. El principio de los, aparentemente, inofensivos corrales. Corral para las vacas, las ovejas, corral para los cerdos... corral, reserva natural o parques ecológicos, corral o prisión para los criminales, corral u hoguera para los herejes; corral, bloqueo económico o exilio para los opositores; corral, medios de comunicación (paneles, revistas, periódicos, radio, televisión, teléfono, internet...) o bombardeo constante de estupidez mecanicoreflejo o reflejomecánico (condicionamiento = necesidad repetida y asumida verdadera). Entonces, ¿cuál es la función de los poetas?
Tags: CARLOS AGUIRRE Y LOS FRAGMENTOS DEL DESEO
Por: Ricardo Arcos-Palma
Es frecuente encontrar en estos tiempos de la cibercultura, y de la digitalización de la imagen, artistas, que sin dejar de lado un trabajo tradicional, como lo podría ser el dibujo, el grabado o la pintura, incursionan en la fotografía digital para explorar nuevas posibilidades de expresión. Tal es el caso del artista cartagenero Carlos Aguirre quien vive y trabaja en Bogotá desde hace ya, más de una década. Su trabajo reconocido en varios lugares del mundo, tiene como punto de reflexión el cuerpo humano. Pero esos cuerpos que se revelan en son claros referentes a la historia del Arte. Copias de las grandes esculturas de la Antigüedad , sirven de pretexto para generar nuevos monumentos a partir del fragmento y del detalle. Tal es el caso de la obra "Reunión informal", donde el torso de un sátiro de la escultura helenística crea un ritmo con la figura de una ninfa, que se cubre pudorosamente el sexo con su mano. Este fragmento se repite varias veces hasta generar una refiguración, donde los torsos se armonizan en un movimiento propio del deseo.
En otra de sus obras "Dame una mano", vemos un detalle del mismo fragmento escultórico, pero esta vez en un aspecto casi porno gráfico , no en el primer sentido de esa palabra, sino como esa exacerbación del detalle (Baudrillard) que deviene escritura corporal del exceso de visualidad. La mano de la ninfa, agarrada por la del sátiro, se persiste en cubrirse el sexo. Pero esta imagen multiplicada varias veces y acentuada por el título, transforma la lectura en una clara invitación al onanismo.
LA MEJOR COREOGRAFA DEL SIGLO XX
Desde Chile, Vicky Larraín, Coreógrafa
Así denominada por el público, críticos y algunos de sus pares esta mujer, bajita y delgada ha sentado un precedente fundamental en el género de la danza-teatro.
Desde niña Pina Bausch "bailó sus sentimientos", prefería expresarse en movimientos antes que en palabras. Hoy, a los 63 años de edad, la pequeña Pina Bausch es considerada por la crítica mundial la "mejor coreógrafa del siglo 20" .
Desde sus primeras creaciones a finales de la década de 1960, Pina Bausch decía: " lo que me interesa no es cómo se mueve la gente, sino que se mueva".
Pina Bausch divide quizás todavía las opiniones, pero menos que en sus comienzos, y sus coreografías, calificadas a menudo de "revolucionarias", no dejan indiferente al público, ya sea satisfecho o escéptico. Creadora potente y obsesiva, Pina Bausch despierta filias y fobias encendidas. Gran parte de una generación de coreógrafos contemporáneos en Europa ha vivido, por lo menos en algún momento de su carrera, la influencia de la danza-teatro realizada con tanta fuerza y acertado oficio escénico por Bausch y su fiel equipo de bailarines y colaboradores.
EL ARTE Y LA SOCIEDAD
Por Enrique de Santiago
Hoy en día, es materia de discusión, el tema acerca de cual es el rol que debe tomar el arte dentro de la sociedad, o como es o debe ser su accionar dentro de lo que conocemos como entorno social. En este sentido son ya muchas las opiniones, muchas de ellas divergentes, acerca de cual o cuales son las pertenencias o correspondencias que este debiera tener en el llamado mundo globalizado de nuestra contemporaneidad, en la cual nosotros creadores estamos insertos querámoslo o no. Ya que un Arte que apunte a un discurso asistémico, debe y está construido a partir de un modelo, el cual es objeto de crítica por parte de él o los artistas, es en este sentido que parece que el discurso adquiere mayor connotación que el cuerpo estético, a pesar que siempre la obra de Arte ha respondido a una causa que generalmente tiene su origen, en algún planteamiento que el artista da en función de su razonamiento a partir del entorno. Hoy en día este fenómeno tiene mayor presencia, ya que los elementos motivantes para la concreción de la obra, poseen un amplio registro que viene de la reflexión en torno a lo social, ya sea, del ámbito de las comunicaciones interpersonales, o de cómo este paisaje social afecta la mirada del artista, o como el accionar del medio, influye en el acto cognoscitivo que el artista o creador percibe sobre este.
AL PACINO Y SU MARCA REGISTRADA EN “PERFUME DE MUJER”
Por: Víctor Hugo Ortega
Si juntáramos en un cuarto cerrado a Wim Wenders, Emir Kusturica, Takeshi Kitano y Andrei Tarkovski a ver "Perfume de Mujer" (1992), de seguro se reirían y hasta harían mofa de su estructura narrativa simplona, de su estética políticamente correcta y de su efectismo a prueba de balas, totalmente representativo del cine estadounidense. Pero ninguno de estos cuatro monstruos del séptimo arte, podrían dejar de excitarse con la memorable personificación de Al Pacino, como el ciego militar jubilado, Frank Slade.
Una película tan vista como ésta y que marca la carrera de Pacino, por ser la única que le ha otorgado un Oscar como mejor actor, resulta difícil de comentar y analizar a trece de años de su estreno. Sobre todo si más encima nos encontramos con que su director, Martin Brest, ha rozado el extremismo. En 1992 dirigía "Perfume de Mujer" y lograba el éxito de su vida. Una década después realizaría "Gigli", el gran fracaso cinematográfico que protagonizaron Jennifer López y Ben Affleck. Curiosamente en esta producción también aparecía Al Pacino, claro que en una pequeña intervención.
JORGE ARTUS, PINTOR LABIAL, VIDA Y OBRA
Columna a cargo de Piuke Werken
Nací en Santiago de Chile un 7 de Diciembre de 1966. Soy el mayor de 7 hermanos llegue a este mundo con una malformación congénita que se traduce en la ausencia de mis extremidades superiores (mis brazos).
Estudie en el Colegio San Ignacio, y luego seguí la carrera de Comunicación Social, la pintura la comencé a practicar recién a los 25 años, pues me di cuenta de que el arte en cualquiera de sus expresiones puede ser una gran herramienta de comunicación y me pareció sumamente atractivo y desafiante utilizar la pintura como medio de comunicación para contar historias de mi vida y compartir mis sentimientos y mi admiración por nuestras culturas indígenas.
Creo y siento que estamos experimentando una importante necesidad de reconocer a nuestros antepasados indígenas, e insertar de alguna manera, en nuestro pulso contemporáneo, su forma de concebir el ritmo cotidiano que nace de la madre tierra.
Mis comienzos como pintor partieron en el archipiélago de Chiloé. Ahí compartieron durante varios años la frescura de la naturaleza virgen, del susurro de los árboles que secreteaban historias mitológicas con el viento, el sabor milenario de la pesca artesanal y la mirada orgullosa y amistosa del pueblo chilote.
“CON LA FUERZA DE LA TIERRA”
campaña de Aucan Huilcaman para ser el primer candidato mapuche a la presidencia de Chile y la carta de los lonkos (autoridades tradicionales) a Microsoft
Aucan Huilcaman, líder del Consejo de Todas las Tierras, está en campaña para reunir firmas para postular a la Presidencia de Chile en las próximas elecciones de fin de año.
En Panguipulli, o Tierra de Leones, un grupo de mapuches se arremolina alrededor de Aucan Huilcaman, líder del Consejo de Todas las Tierras. Han llegado de los alrededores del lago para marchar junto a él y darle su apoyo y sus firmas para conseguir que sea candidato a la Presidencia de Chile. Es el inicio de una campaña sin precedentes en el país, que pretende hacer oír la voz de los pueblos originarios. Para eso se necesitan 40 mil firmas, refrendadas ante notario, antes del 10 de septiembre.
Al grito de "¡Tierra, cultura, justicia y libertad!" y "¡Tierra robada será recuperada!", el grupo recorre las calles de la pequeña ciudad, mientras los esquivan las camionetas de los agricultores de la zona. Doña Juana Lloncón, de Tililhue, cree que Aucan puede frenar la postergación atávica de su pueblo. "No tenemos tierras y aquí hay fundos abandonados. Tenemos que abrir los ojos y dejar de darles el voto a los partidos de siempre a cambio de una empanada".
TERESA WILMS
Santa Patrona (Matrona) de los Artistas Chilenos
Por Muñozcoloma
Hay miradas que a uno lo pueden transportar al infinito o a esferas que van más allá de lo comprensible. Pero hay otras (las menos) que aparte de llevarlo a uno lejos, definitivamente lo matan, lo hacen replantearte este viaje llamado vida como un nuevo ser, como un iniciado. Cuando me enfrenté por primera vez a la mirada de Teresa Wilms, en esa preciada fotografía tomada en Buenos Aires en 1916, comprendí realmente lo que significaba conocer una mujer con esa clase de mirar, a una "mujer fatal". En ese momento pasaron a mi olvido voluntario mujeres como Matta Hari, Isadora Duncan, Anais Nin o las hembras de Gustav Klimt.
Pero esta mujer, tan poco conocida, pitonisa de las letras, generadora de tantas pasiones e incluso de un suicidio, ha sido una heroína olvidada por el pueblo chileno, como solemos decir acá, en la patria del sur: Ha recibido "el pago de Chile". Intentando resarcir, en parte mi olvido, de tantos años, quiero destacar algunos puntos de su vida y muy pocos de su obra. Esta primigenia Marilyn Monroe, arquetipo verdadero de la mujer fatal, mito de la intelectual maldita y bohemia de los albores del siglo XX, que a larga su vida se convirtió en la recompensa Olímpica para cualquier artista o profano del arte, cosa que finalmente detestó.
LA VIDA COMO UNA PELÍCULA: DE GODARD Y LA NUEVA OLA FRANCESA
Por Raúl Hernández
"Soy un falso pintor, un fotógrafo"
Jean-Luc Godard
Para hablar de Jean-Luc Godard comenzaré inmiscuyéndome a partir de la nouvelle vague o nueva ola francesa, término con el cual se agrupó a una docena de jóvenes cineastas franceses entre 1958 y 1963 los cuales triunfaban con su nueva forma de hacer cine. De estos directores se criticó que no reflejaran en sus películas los terribles momentos que Francia atravesaba: Argelia se había sublevado por la independencia. Una guerra colonial, oficialmente no reconocida, había provocado una crisis, la llegada del general De Gaulle al poder, la instauración de la V República y la independencia de Argelia. Y todo esto, entre 1958 y 1962.
También nos podemos remontar al año 1948, año en el cual aparece en el número 144 del semanario L' Écran Français un artículo de Alexandre Astruc llamado Naissance d'une nouvelle Avant-Garde: La caméra-stylo . Allí expresaba Astruc la clara posibilidad de que el realizador cinematográfico se exprese a través de la cámara lo mismo que el escritor lo hace sirviéndose de la pluma.
SOS TIERRA. ENCUENTRO DE ARTE ACCIÓN POR EL RIACHUELO
Sobre lo efímero del arte, o la presentación de la vida
Por: Marcela Rosen
El agua que transitábamos con el botero del Riachuelo nos hacia tomar conciencia de la acción depredadora del modelo contaminador. Y en este caso tanto lo invisible como lo visible, en el río, era conmovedor. El agua pasó a ser el protagonista de las acciones del día. El sujeto y soporte de las maniobras alquímicas que se expresaron en ella, para el proyecto: SOS Tierra . Manifestando la transitoriedad de las cosas en la naturaleza. Su esplendor y su humildad, vecina. Lo eterno y lo efímero de las acciones. Conscientes que esa ceremonia representaba otro estado. Otro pasaje a una situación efímera: de agua muerta revivida. Y esto le daba un sentido a la acción. Trascendencia. Nos sentíamos mágicos, al borde de dar un pase de lo permanente a lo transitorio, y de lo efímero a lo perdurable del momento. Provocando una tensión interna, por instante de angustia, y por otra de goce. De realización. Estar dentro del agua del riachuelo, en la Boca, es una sensación de fuerte significado. Sus calles y conventillos. Ya que la contaminación, tanto directa como indirecta, es fatal. Y estábamos buscando protección para la tierra y reclamando un lugar para cada uno de nosotros. Y esa jornada de acciones estaba permitiendo atravesar la difícil situación, buscando el soplo vital de la vida.
LHASA EN BERLÍN Y OTRAS NOTAS MUSICALES. VERANO OTONAL 2005
Por: Martha Escalona Zerpa y Andrea Rodriguez Sickert
Berlin, Agosto 2005
LHASA en Kesselhaus
La sala de conciertos Kesselhaus está inserta en la Kulturbrauerei, el complejo cultural más grande del barrio berlinés Prenzlauerberg. Aquí, una noche de finales de Julio se presentó a través de Trinity Concerts Lhasa de Sela con su segundo album Living Road a sala llena (300 personas apretujadas durante dos horas ininterrumpidas de concierto) y nos hechizó junto con su equipo de virtuosos músicos, entre ellos el componista y productor Yves Desrosiers, el percusionista Francois Lalonde y el pianista Jean Massicotte.
Desde el primer instante, nos subyugó su voz, originalidad y calidad musical. El solo nombre de la artista nos traslada imaginariamente a uno de los lugares místicos del planeta (Lhasa en el Tibet), y encuentra su resonancia perfecta con la música de la joven compositora y solista.
JULIA MARQUÉS MEYER Y EDDIE (J.BERMÚDEZ)
Un arte leído , visto, y a fin de cuentas un arte que PRODUCE sensaciones, ya sean adversas a la felicidad o adversas a cualquier estabilidad del cuerpo que mira, siente e intenta buscarse en el interior de la página, del lienzo, del vivir cotidiano en definitiva.
La página pasa a ser lienzo, y el lienzo se acopla al párrafo. La destrucción de la página, la destrucción de la poesía por medio de los trazos del pincel, por medio del color, de la figura humana, de sus curvas y des-trazos.
LA AGUJA SALIÓ DEL PAJAR
(Fin de la perfomance de Piano Man)
Desde Nueva York, Silvia Banfield
La alcancía del mundo se ha roto y el hombre piano cayó al final de los tiempos. En búsqueda de la identidad perdida, sus propias teclas le sostienen en el olvido. Toda la historia del naufragio, del viaje y la memoria, nos entregan ahora a un músico autista sin pertenencia ni raíces de ninguna naturaleza. Lo adopta un nuevo espacio, desde la playa en el origen de las aguas. Del posible naufragio, solo se conservaba asimismo, y unas partituras protegidas por una bolsa de plástico. Su hilo umbilical, el cordón de la futura vida, es su único intangible de sí mismo. Un mundo lleno de cámaras, de una ejemplar vigilancia, identificación constante, rastreo satelital pormenorizado de la epidermis de la tierra, no ha podido dar con alguna pista de Piano Man. Es él, han dicho tantas veces, checo, islandés, alguien que no termina de llegar de sí mismo, el hilo de todas las puntas. Se desenrolla como un papiro indescifrable, es la pieza de un rompecabezas inexistente. El azar jugó con sus días en un tablero vacío. Nadie reclama un sueño perdido, ni la infancia ajena, o el patio de luz de los domingos. Cualquiera se pierde en una calle desconocida o en un parque de entretenciones. Muchas veces me vi fuera de la fotografía, del marco de cualquier escena, ausente. Más cerca de la azotea, del patio, de un cuarto, sobre el comedor vacío o la esquina.
DIARIO DE UN HOMBRE INFINITAMENTE ENVENENADO: ¿PANERO LE ROBÓ LAS CREDENCIALES A DIOS O AL DIABLO?
Por Rolando Gabrielli
Leopoldo María Panero es el poeta más importante de España, aunque España le haya puesto una camisa de fuerza y lo envenene con el calmante haloperidol.
Encerrado en un manicomio hace casi dos décadas, el diario español El País pareciera haberle descubierto, y le entrevistó en un lugar conocido como la Residencia de Estudiantes. Escoltado, el poeta, por su colega y amigo Félix Caballero y una sugestiva admiradora, llamada Amaraba, habló de lo humano, divino, la poesía, España, la democracia, el Quijote, Neruda, la psiquiatría, sus preferencias sexuales, Freud, el Papa, Rasputín, Lacan, todas las etcéteras de las preguntas y de lo que le rodea: la locura. Panero, creo, no le deja un solo pelo a la lengua de sus palabras.
Panero viajó este año a Chile, invitado, bajo una estricta custodia, y recitó su poesía en el manicomio de Santiago de Chile, sitio de una vieja capitanía hispana, cuyo capitán general perdió la cordura en los momentos de apremio.
La conversación de El País con Panero, autor de una poesía en el límite, sin fondo, un lenguaje en escombros permanentemente, no incluyó poemas de su factura, sino dejó funcionar la escopeta con su pólvora acorralada en el manicomio del doctor Rafael Inglod, en Islas Canarias.
LOS GRAFFITIS DE MI RIERA
Por César Reglero
PROLOGO
Vivo en una pequeña ciudad de 30.000 habitantes (El Vendrell / Tarragona/ España) que está travesada de punta a punta por una riera que normalmente no lleva agua. Pero que en ocasiones se ha desbordado causando inundaciones y pérdidas extraordinarias. Con motivo de estas inundaciones esta zona fue acondicionada en parte con grandes paredes de hormigón cuya longitud en sus dos vertientes es de aproximadamente seis kilómetros. Hace ahora siete años que existe este muro y al día de hoy esta repleto de graffitis de tal manera que no queda ni un metro libre entre graffiti y graffiti. Por lo tanto hablamos de centenares de obras que forman un conjunto lineal espectacular. Siempre me había llamado la atención este espectáculo y siempre había tenido la tentación de hacer un reportaje sobre el tema. Recientemente pude escribir un pequeño artículo sobre esta materia con motivo de una experiencia en el espacio experimental A.R.T. dirigido por J.M. Roselló, un verdadero entendido en la materia.
Hace poco cayó en mis manos un trabajo de Jorge Méndez en el que analizaba el fenómeno histórico-cultural de estos especialistas en arte urbano (relativamente reciente por cuanto sus inicios debemos situarlos en Nueva York a principios de la década de los 60).
