Escultura
Lun, 11/14/2011 - 21:06 | 
Richard Serra “Promenade” (2008)
UNA DISCUSIÓN TRADICIONAL:
“¿VANGUARDIA VERSUS NEOVANGUARDIA?”,
CONFRONTANDO A DOS TEÓRICOS DEL ARTE:
PETER BÜRGER VERUS HAL FOSTER
PARTE II: HAL FOSTER Y LA NEOVANGUARDIA COMO RE-CODIFICACIÓN DE LA VANGUARDIA
María Pía Cordero
Desde la perspectiva opuesta a la presentada en el anterior artículo, Hal Foster, re-actualiza las nociones de vanguardia y neovanguardia en su obra “El Retorno de lo Real”. Sostiene, en consonancia a Peter Bürger, que la vanguardia histórica combate los principios burgueses del arte, como también, la figura romántica del genio artístico. Tarea que es efectuada mediante el uso de objetos cotidianos y la abstracción de los tradicionales elementos que componían el arte moderno: la importancia de la idea central de la obra y de los materiales de acción creativa. Sin embargo, para Foster, la vanguardia debe ser analizada mediante una re-evaluación, a través de: “nuevas genealogías de la vanguardia que compliquen su pasado y den apoyo a su futuro” (Foster, 2001, pp. 7).
Bajo un indagar casi genealógico, pregunta Foster: “¿Apareció Duchamp como “Duchamp”? por supuesto que no, pero a menudo se lo presenta como nacido de una pieza de su propia frente ¿Surgieron acaso Les Demoiselles d´Avignon de Picasso como la cima de la pintura moderna por la que ahora pasan?” (Foster, 2001, pp. 10). Estos íconos del arte, son sólo “efectos retroactivos” del despliegue del arte y del desarrollo de la crítica, siendo sus efectos no inmediatos, sino una “temporalidad diferida de la significación artística” (Foster, 2001, pp.10). Luego, la historia del arte se hace legible retroactivamente, es decir, desde el presente hacia el pasado, no teniendo un punto final. De este modo, la vanguardia ha de leerse a la luz de la neovanguardia. Ambos movimientos, son considerados como manifestaciones de un mismo fenómeno, habiendo entre ambos, diferencias de grado y no de especie. De este modo, la neovanguardia acomete la apertura de la vanguardia, ampliando su concepto, mediante nuevas revisiones y despliegues.
Evocación a las artistas difuntas
1º de noviembre año 2011
Cortejo funebris
La calle y sus veredas servirán esta vez para plantear un recuerdo, para evocar a los silentes, a las silenciosas.
La calle para hacer un cortejo, una romería, al templo de los festejos, al sofá.
Así iniciaríamos y rendiríamos culto este año a las mujeres que han muerto siendo artistas anónimas o famosas, sin perjuicio de evocar a quien quieras durante la ocasión.
La romería o cortejo contará con la participación de vehículos adornados con los elementos típicos de este día, flores, fotografías. en caso de contar con un vehículo con parrilla podemos poner alguna obra de pintura de modo vertical.
Los y las que vamos caminando podemos portar retratos de las recordadas o recordados, velas encendidas, elementos propicios, instrumentos sonoros, vestuarios atractivos, una vez en el sofá estando, descansamos hacemos una reunión donde bebamos y comamos alguna cosita y nos ponemos de acuerdo en común para mostrar cada cual su propio rito
Invitamos a la participación activa y libre de las personas creadoras, inscribiéndose con su nombre y el nombre de la persona a la que recordarán en reunidos69@gmail.com
A las personas que están lejos, en otras ciudades o países pueden enviarnos sus colaboraciones por email a: reunidos69@gmail.com
Hola de inicio de la "Romería": 18:30 que hará un recorrido con un cortejo fúnebre en las cercanías del Sofa, iniciando y culminando en éste.
Hora de inicio: 18:30
Hora de término: 20:00
Para comenzar los festejos en el Sofa alrededor de las 20:00 horas para culminar después de las 24 horas en la madrugada del día 2 de noviembre (día internacional de los muertos y muertas).
Reunidos organiza.
http://artistasmuertos.wordpress.com/ en este blog pueden ver las celebraciones anteriores
Sofa, Sociedad de Fomento Artístico: Santa Isabel 0151, Providencia, Santiago de Chile
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Mario Irarrázabal
MARIO IRARRÁZABAL: DIMENSIÓN EXISTENCIAL DE SU OBRA “MANOS”
La intención de crear el montaje “Manos”, del escultor Mario Irarrázabal, proviene de una serie de obras que se enmarcan dentro de la línea de lo monolítico (1). Es así, como desde fines de la década de los setenta, comienza expresamente a buscar su inspiración en los dólmenes y menhires de Stonghen, en los arcaicos moais de Isla de Pascua, y en todas las piezas primitivas que el desierto de Atacama ofrece, sin temor al claudicante paso del tiempo. La obra de Irarrázabal, busca vivificar lo mágico de estas construcciones, aquel enigma, que los menhires plasman en las miradas de quienes perciben sus picos erectos hacia el cielo de lo inexplicable (2). Estos montajes pueden ser entendidos, en palabras de su autor, como “hitos poéticos”, por los que se pueden re-encontrar hombre y paisaje (natural o urbano) (3).
De este modo, la obra “Manos” puede ser estudiada desde una perspectiva existencial, a través de su ser y de quien la contempla, sumando, además, el soporte que posibilita el contacto de ambas entidades, esto es, el lugar en donde es emplazada la obra, y, por el cual se da tal interacción. Al respecto, cabe señalar la meditación del filósofo alemán Martin Heidegger, en relación al “espaciamiento” que acomete la instauración de la obra: “El espaciar origina la situación preparada para habitar. Los espacios profanos son siempre la privación de antiguos espacios sagrados. Espaciar es liberar sitios. En el espaciar habla y se oculta al mismo tiempo un acontecimiento. [...] El carácter de ese acontecimiento es esa tal percepción de los sitios. Pero ¿qué es el sitio si su particularidad debe determinarse por la guía del espaciar liberador? El sitio abre circunstancialmente un paraje, en la cual reúne a las cosas en su co-pertenencia” (Heidegger, 1992, pp. 151). Según lo anterior, sólo desde la actividad del espaciamiento, es posible la apertura de los sitos. Tarea fundamental de las “Manos”, las que mediante su apertura, dan lugar a la corporeización del sitio que las posibilita, dando origen con esto, a la co-pertenencia de la obra al lugar que la sostiene, y, también, al contacto o “percepción” que el hombre genera con estas entidades. En este sentido, el sitio que sustenta el cuerpo de la obra, surge como soporte de tal interacción.
Hasta el 7 de agosto se puede visitar la exposición Mujeres en la Escultórica Nacional. Es en el Parque de las Esculturas, Avda. Santa María 2271, Providencia. Allí se pueden apreciar obras de destacadas escultoras de distintas generaciones.
Participan: Tatiana Álamos, Dolores Andrade, Carmen Rosa Areco, Verónica Astaburuaga, Ximena Burón, Rosa Cádiz, Cecilia Campos, Aura Castro, Fernanda Cerda, Francisca Cerda, María Inés Cura, María Soledad Chadwick, Patricia Del Canto, Olga Disi, Ximena Ducci, María Angélica Echavarri, Elena Ferrada, Lisi Fox, Lily Garafulic, Ingrid Gredig, Roxana Gutiérrez, María Eliana Herrera, Tamara Kegan, Lucy Lafuente, Pilar Landerretche, Alicia Larraín, Ana María Lira, Gricelda López, Catalina Macan, Francisca Mendoza, Alfonsina Moreno, Lise Moller, Elisa Naranjo, Carolina Nieto, Francisca Nuñez, Lorena Olivares, Soledad Omeñaca, Pilar Ovalle, Marcela Paz González, María de los Ángeles Pérez-Cotapos, Cristina Pizarro, Laura Quezada, Norma Ramírez, Zinnia Ramírez, Isolde Riquelme, Hilda Rochna, Ximena Rodríguez, Marcela Romagnoli, Paula Rubio, Alejandra Ruddoff, Sandra Santander, Norma Selamé, Andrea Silva Guzman, Marcela Soruco, Claudia Soto, Jéssica Torres, Elvira Valenzuela, Ani Venturini, Soledad Vial, Teresa Vicuña, Lucia Waiser, Cristina Weldt, Ana María Wynecken y Macarena Yrarrázaval Correa.
CHARLA
Mujeres en la escultórica nacional: ayer y hoy
Museo Parque de las Esculturas.
Sábado 2 de Julio, 12 horas.
Parque de las Esculturas Av. Santa María 2205, Providencia
GRACIELA GUTIÉRREZ MARX (COMPAÑÍA DE LA TIERRA BIENAMADA) - (I)
Desde México, César Horacio Espinosa Vera
Artista TRANSÍGNICA, poeta, estudiosa y profesora, nos da una muy sentida visión de lo que sucedió en Argentina -eso tan grave y trágico, pero al mismo tiempo formidable, armado de vida y resurrección- en las décadas finales del siglo XX, desde la perspectiva de un HACER SIN NEGOCIAR. O, como ella misma cierra sus decires: Hoy día me he plegado al arte/acción.
¿QUIÉN ES, EN SUS PROPIAS PALABRAS, GRACIELA GUTIÉRREZ MARX?
Un montón de mujeres y también, por qué no, algún varón, entretejidos en una sola casa-cuerpo compartiendo la misma marca: una pregunta que recién ahora va diluyendo sus bordes y me permite imaginar una caricia para sus heridas y una sonrisa jugada sin temor. La pregunta original es la de la primera mujer-niña, que a los dos o tres años sintió la presencia de un túnel oscuro en su interior, miró esas profundidades y se dijo: ¿quién soy yo?
La niña que se perdió en la playa 1946. Postal turística en Mar del Plata .
Entre canteros de violetas y muros con yuyos de palán-palán, se prometió ser dibujanta y sus progenitores le regalaron una caja de lápices de colores acuarelables que inmediatamente ensalivó, contorneando hadas, fantasmas y monstruos.
CONCEPTOR VISUAL. JEAN PHILIPPE MONTPETIT
Por Claudio Rivera-Seguel
Jean Philippe Montpetit, es un creador quebecuoise que investiga el hibrido paisajes contemporáneo, al estilo de los artesanos del renacimiento. Pareciera que para Montpetit el mundo es un "laboratorio fractaliano" donde todo puede y debe ser. El Mundo NeoUtopico de Organika.
El trabajo interdisciplinario se manifiesta de manera espontánea y flexible, inspirándose en las creaciones lumínicas y estructuras sistémicas. Montpetit ah participado en diversos proyectos de colaboración en performance y cinematografía. Además trabaja de manera interdisciplinaria utilizando la escultura, el diseño, la fotografía y el arte digital.
Su última exhibición individual "(A)normal" consiste en parte de una serie de cajas de luz (formato horizontal) que muestran imágenes transfiguradas y detalles de figura humana sobre expuestas por medio de reflexiones lumínicas y transfiguradas a través de la manipulación y replicabilidad digital.
PASANTIAS CANALES DE VÍNCULO
Entrevista a Esteban Álvarez y Tamara Stuby
Proyecto El Basilisco
Buenos Aires, Argentina
Desde Santiago, Víctor Hugo Bravo + Klaudia Kemper
EL BASILISCO , un nuevo proyecto de residencia alojado en Buenos Aires, un espacio para generar ideas, desarrollar obra, pensar y reflexionar en torno a las problemáticas del arte contemporáneo. Este espacio posibilita también el desmarcar la producción, emplazarla a otro sistema social del arte, con otros derroteros y funcionamiento.
Es un proyecto de experiencias creado por artistas lo cual potencia su interés al establecer una relación paralela, de cohabitación con los pasantes, además en un país donde las diferencias logran compartir y sobrevivir en un mismo espacio, en este caso el circuito amplio del arte y sus extensiones.
El basilisco presenta un aporte fundamental en la creación de redes culturales entre continentes y sobre todo en América latina, en las políticas de distribución de obra, de su conversión a otro sistema y de su difusión, creando un programa circulatorio de canales abiertos que provee recíprocamente en todos los ámbitos, permitiendo instalar ideas y obras en un plano de revisión mayor apelando a la diversidad de las miradas y la expansión de los juicios.
OBRA “MALA IDEA” GANÓ CONCURSO DE ARTE ORGANIZADO POR BANCOESTADO
El joven artística visual Juan Céspedes Flores ganó el primer del V concurso Arte y Objeto organizado por BancoEstado. La obra premiada se titula "Mala Idea", que en su esencia evocaba todas esas ideas que un día fueron desechadas, guardadas y, luego, convertidas en una obra.
En total, 26 artistas participaron en el evento con obras de diferentes características y realizadas con los más diversos materiales. Precisamente, ese era el objetivo del concurso: convocar a jóvenes que generalmente están dando sus primeros pasos en el circuito y, de esta manera, ayudar a fomentar la creación y difusión artística nacional.
El segundo lugar se lo adjudicó David Cofré Espinoza con su obra "Manotransparente". La mención honrosa entregada por el jurado se la llevó Rodrigo Vergara Bahamondes con su obra "Ready Made Merchandising" y Marco Suite Vejar, con "Dual" se llevó la mención honrosa que dieron los funcionarios del banco.
La creatividad y la innovación de los artistas no sólo se premió con dinero para el primer y segundo lugar, sino que las obras comienzan a formar parte del patrimonio cultural de BancoEstado.
SOLEDAD OMEÑACA. PASAJERAS
Elisa: Pasajera: Esperando un milagro: La Sacerdotiza: Tarde:
Teo:
La serie Pasajeras, tiene que ver con una mirada femenina de las mujeres, habla de de procesos, etapas por las que pasamos. Son once esculturas, desde 1.2mt a 20 cm., técnica libre más barro.
En esta oportunidad quise reflejar aquellas etapas, relativas a la madurez propia del cambio que enfrentamos todas las mujeres frente a la vida misma.
CAJA NEGRA ARTES VISUALES
Historia colectiva
Desde Santiago, Víctor Hugo Bravo
Un espacio físico, un concepto sobre las formas de hacer arte en sus múltiples definiciones. Un aparataje cultural.
Caja Negra después de 20 años es historia de la cultura en Chile y su construcción como ejercicio paradigmático de las gestiones autónomas.
Diseñada en sus inicios como un espacio que posibilitaba la contractura con el sistema imperante, ha evolucionado a un centro de trabajo e investigación colectiva y particular en las problemáticas de las artes visuales, con un funcionamiento acentuado en la diversidad de los discursos y las formas pero que se canaliza en conclusiones coherentes, estructuradas en los mismos diálogos laterales donde se gestan sus propuestas.
Los cruces y las fricciones entre las obras y los mismos artistas, señalan las líneas rectoras de cada proyecto en un hacer aparentemente caótico, distanciado de lo programático pero que en la empiria cobra la suficiente fuerza como para impregnar de un total las resultantes de sus propuestas.
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DEBIÓ SER UN ANIMAL DE SUEÑO
Desde Panamá, Rolando Gabrielli
Plantada en la rotunda estética de su arquitectura visual, hembra de huesos ardientes, animal vertebrado en la magnífica, brutal esencia de lo serenamente irracional, Henriette Théodora Markovic, se dejó caer desde Buenos Aires, a sus 19 años, en el París de los años veinte, de todos los sueños posibles y los que se inventaban cada día en la atmósfera surrealista. Había nacido en Francia, París, pero estudió hasta esa edad en la reina del Plata. Venía con más de cinco sentidos, dispuesta a comerse con los ojos, la piel, el mundo que se le presentaba alucinante en la gran vitrina parisina. Alta, morena, sensual, dormida como un trébol, la enigmática baraja, el Tarot de quien se llamaría artísticamente Dora Maar, entraba al juego de la vida.
A Dora Maar se le conoce como la amante de dos mitos del arte y la literatura, monstruos sagrados, iconos: Georges Bataille y Pablo Picasso. Fue muchas más que eso, apéndice de artistas e intelectuales, imagen pasional, audaz vitrina de sí misma, antología de sus noches. Así escribe Bataille en su libro El Poder de la Palabra , un texto titulado: El Erotismo. " En medio de un enjambre de muchachas, desnuda Madame Edwarda sacaba la lengua. Ella era, para mi gusto, encantadora. La elegí: ella se sentó cerca de mí. Apenas tuve tiempo de responder al mozo: tomé a Edwarda que se abandonó: nuestras bocas se juntaron en un beso enfermo.
WWW.ARTENLINEA.CL
Artenlinea.cl es una plataforma Web para la exhibición de artistas contemporáneos, busca educar al artista en las posibilidades de los nuevos medios, como también asociarlos para buscar nuevas maneras del accionar artístico desde dentro y fuera de la Web.
La idea de artenlinea.cl es que los artistas tengan la posibilidad de administrar su espacio-catálogo en la Web, funcionando de manera muy similar a una red de blogs, pero que se perfila únicamente para que artistas visuales muestren su trabajo, ellos tienen la posibilidad de subir imágenes, textos y videos; además de poder recibir comentarios en un libro de visitas que cada catálogo de artista posee.
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CARLOS AGUIRRE Y LOS FRAGMENTOS DEL DESEO
Por: Ricardo Arcos-Palma
Es frecuente encontrar en estos tiempos de la cibercultura, y de la digitalización de la imagen, artistas, que sin dejar de lado un trabajo tradicional, como lo podría ser el dibujo, el grabado o la pintura, incursionan en la fotografía digital para explorar nuevas posibilidades de expresión. Tal es el caso del artista cartagenero Carlos Aguirre quien vive y trabaja en Bogotá desde hace ya, más de una década. Su trabajo reconocido en varios lugares del mundo, tiene como punto de reflexión el cuerpo humano. Pero esos cuerpos que se revelan en son claros referentes a la historia del Arte. Copias de las grandes esculturas de la Antigüedad , sirven de pretexto para generar nuevos monumentos a partir del fragmento y del detalle. Tal es el caso de la obra "Reunión informal", donde el torso de un sátiro de la escultura helenística crea un ritmo con la figura de una ninfa, que se cubre pudorosamente el sexo con su mano. Este fragmento se repite varias veces hasta generar una refiguración, donde los torsos se armonizan en un movimiento propio del deseo.
En otra de sus obras "Dame una mano", vemos un detalle del mismo fragmento escultórico, pero esta vez en un aspecto casi porno gráfico , no en el primer sentido de esa palabra, sino como esa exacerbación del detalle (Baudrillard) que deviene escritura corporal del exceso de visualidad. La mano de la ninfa, agarrada por la del sátiro, se persiste en cubrirse el sexo. Pero esta imagen multiplicada varias veces y acentuada por el título, transforma la lectura en una clara invitación al onanismo.
SIMBIOSIS
[arte y ciencia] Una relación estratégica
Por Sara Malinarich [ENLACES.escher system project]
"Espero poder haberos transmitido algo de la emoción que un científico siente cuando encuentra algo nuevo, algo que es él el primero en ver: Para mí no hay emoción o satisfacción comparable a la que produce la actividad creadora, tanto en ciencia como en arte, la literatura u otras ocupaciones del intelecto humano" Severo Ochoa
ARTISTAS: Angel Pastor [http://es.geocities.com/angel_pastor/index.html ] - Emmanuel Lamotte [http://www.erational.org] -
Gema Ramos - Heath Bunting y Kayle Brandon [http://www.irational.org] - Joan Casellas - Jose Rico
Lynne Yamamoto y Lucrecia Knapp - Malgosia Butterwick
Nicolas Boillot [http://www.fluate.net] - Nieves Correa - Terje Ojaver
Peter Johansson y Barbro Westling - Roxana Popelka
BIPOLAR HISTORIA Y ENAJENACIÓN - CERTIFICAR, GARANTIZAR, LEGITIMAR
Exposición de Rodrigo Ortega y Ricardo Pizarro en la Galería de Arte Balmaceda 1215
La muestra que permanecerá abierta al público hasta día 2 de agosto (2005) reúne a Rodrigo Ortega y Ricardo Pizarro, artistas que someten la reflexión de su obra a una situación específica, el lugar común de su procedencia artística; Beca Balmaceda1215/Fundación Andes.
Desde aquí, la dirección de interés de los autores, es someter y emplazar una creación que reflexione y asuma la (propia) condición de asistencia artística (de inscripción profesional en el circuito), así como el beneficio/expectativa, de las políticas culturales y su resultado, es decir, revisar y tensionar, el llamado beneficio tanto desde las expectativas de la entidad asistente como desde las expectativas del asistenciado. Así, el espacio de esta galería institucional se convierte en un doble campo de pruebas , no solo un espacio albergando una obra x en directa relación con el espacio, sino también la (com)probación de sus propias estrategias y políticas institucionales de asistencia y formación, ahora en su terreno. El artista " asistenciado" cumple el ciclo, y debe estar preparado para desenvolverse y actuar desde el campo del arte sin - supuestamente- dependencias de origen.
