GALERIA de ARTE CECILIA PALMA

OMAR GATICA

ABSTRACCION un camino amplio

Francisca Sutil, Matilde Pérez, Cristián Abelli, Francisco de la Puente,
Omar Gatica, Pablo Jansana, Félix Lazo, Benito Rojo

5 julio - 2 agosto

Cuando Hablamos de abstracción indudablemente nos referimos a un lenguaje no figurativo. Sabedores de este concepto un grupo de destacados artistas plásticos chilenos nos mostrarán la exposición "Abstracción un camino amplio" desde el 5 de Julio en la galería de arte Cecilia Palma.

Con el término general de "abstracción" se designa un tipo de manifestación del arte plástico que no representa nada concreto o reconocible de la realidad material, que tiene razón de ser en función de sí mismo, que nace de la necesidad de expresión libre del artista, y que se sustenta en su propio lenguaje (el lenguaje de las líneas, de los colores y de los efectos matéricos de los pigmentos solos o mezclados con otras materias).

Actualmente connotados artistas de nuestro medio han canalizado en su trabajo formas abstractas, fuera del realismo figurativo, que contrastan en versiones más geométricas por un lado o matéricas por otro. Entre los artistas invitados a esta muestra están; Francisca Sutil, Matilde Pérez, Cristián Abelli, Francisco de la Puente, Omar Gatica, Pablo Jansana, Félix Lazo, Benito Rojo. Cada uno en diversidad de técnicas, formatos y enfoques intentan encontrar el camino de líneas, trazos y colores, buscando el sentido a lo aparentemente sin orden, ni lógica

Galería 2450720 mail: prensa@galeriaceciliapalma.cl , www.galeriaceciliapalma.cl

GALERÍA ANIMAL

Sala 1 - Hernán Gana - De lo Urbano y lo Divino.

Después de 5 años de su última exposición individual, Hernán Gana retoma el paisaje como base de su obra, pero con un contenido cada vez más elaborado y complejo. A diferencia de su obra anterior, donde el paisaje es plasmado a través de una mirada contemplativa y donde la alegría y la magia del nacimiento de su primera hija lo hacían reparar en cada uno de los detalles como algo divino, la actual exposición retoma el paisaje, pero con una visión más madura donde se yuxtapone una de sus obsesiones: la arquitectura. Luego de explorar otros caminos, las imágenes arquitectónicas vuelven como el modo, la forma y el cuestionamiento del habitar, transformándose en el "leiv motif" de su trabajo.

Gana, con sus óleos y grabados nos invita a despertar frente a lo que nos rodea y a no tomar como cotidiano la desintegración de lo nuestro. El artista nos muestra cómo el paisaje, que ha sido motivo de contemplación desde el principio de la historia del arte y de la humanidad, la representación del paraíso, ha ido mutando sufriendo cambios fuertes e irreversibles, pero en el que siempre está presente una belleza, cuando menos sutil.

Hernán Gana (1969) estudió arquitectura en la Universidad Finis Terrae; pintura en Parsons School of Design (New York) y grabado en School of Visual Arts (New York).

Sala 2

Saidel Brito - Pablo Cardosos - Manuela Ribadeneira

Tres nudos, Trescientos tajos

La obra de estos tres artistas parte -como premisa y en su operatividad interior- de la articulación de algún tipo de conflicto, de algún tipo de diálogo tenso donde justamente las propuestas, en lugar de pretender zanjar taxativamente un comentario, buscan en lo sugerente de sus estéticas ampliar en distintas direcciones sus implicaciones y aristas.

Justamente son los "nudos" que presentan los que activan un incentivo de resolución por parte del espectador, respuestas tan variables como la cantidad de sujetos de experiencia que los confronten, y que estarán moduladas por nuestros territorios subjetivos y tomas de posición.

Trazando líneas en el agua

Es justamente esta noción, y lo ambiguo y problemático que puede resultar su generalizada adopción, lo que anima la producción reciente de Manuela Ribadeneira (Quito, Ecuador -1966) quien presenta en esta muestra un par de "esculturales" piernas en un gesto que implica ubicarse Con un pie en un lado y con un pie en el otro y que cada quien decida que lados son esos (2006) .

Esta minuciosa talla en madera tiene su génesis en un trabajo anterior de la artista, el cual adoptó como leitmotiv la consabida pose que los turistas ensayan al visitar el monumento de la línea ecuatorial para ubicarse, al mismo tiempo, sobre los dos hemisferios terrestres. En otras palabras sobre dos lados opuestos, divididos y separados por geometrías imaginarias.

Esta artista opera conciente de ciertos postulados de las llamadas estéticas relacionales en su interés por crear ya sea momentos u objetos que produzcan socialización y por eso para esta presentación chilena de su obra, elabora ad-hoc una pieza en similar vena denominada Concordia (2006) . Por un exquisito avatar este nombre lleva implícito todo el peso de la ironía, ya que el título alude nuevamente a un punto geográfico, en este caso desde el cual se proyecta la disputa que a nivel diplomático sostienen Chile y Perú.

Ribadeneira no desecha la "efectividad formal" para articular la situación, elabora un sutil entramado que a manera de red se suspende en la Galería, y cuyo uso tropológico nos remite al mar territorial objeto del impasse. La composición triangular de esta malla se deriva del conflictivo trazo de líneas limítrofes que cada postura determina. La pieza está conformada por cientos de anzuelos (cuyo modelo emula una especie particular de anchovetas), los cuales en este contexto asumen un grosor semántico digno del más potente fetiche, y que nos remiten a distintas metaforizaciones que desbordan la simple referencia a la riqueza pesquera y su industria que se maneja como trasfondo de la disputa

Estas geometrías de la discordia son compactadas en sus escalas para concentrarnos en su relativa importancia, de esta forma concentrando su poder connotativo y de sugestión. Llegado este punto nos queda claro que el interés de Ribadeneira en su planteamiento no está en sugerir un arbitrio, sino en ponderar la anatomía del conflicto, los argumentos y el objeto de las pugnas en sí.

Que tengas tu cuerpo (para exponer)

Quizá la característica más saliente en la práctica de Saidel Brito (Matanzas, Cuba -1973) se encuentra en el uso refinado y estratégico que hace de patrimonios artísticos proscritos u olvidados. Al hacerlo no aborda los legados de la "tradición" apropiacionista de manera ligera, sino hurgando en su capacidad de entablar diálogos de fondo, como herramienta aún fértil para producir imágenes culturalmente significantes.

En esta ocasión la serie que presenta reinterpreta a gran escala una serie de bocetos de Enrique Tábara (Guayaquil, 1930) -discutiblemente el más emblemático de los maestros modernos del Ecuador aún en actividad- y que provienen de un (aparentemente) "insignificante" cuadernillo de dibujos que dicho artista realizó durante una breve reclusión carcelaria en 1978. Se trata de varios retratos de sus compañeros de celda que denotan un claro interés por aspectos humanos y sociales.

La serie se titula aptamente Hábeas Corpus (2004) , remitiéndonos -no faltaba más- a la figura jurídica a la que accede cualquier ciudadano detenido, que le otorga el derecho a comparecer ante un tribunal (ahora un público) que resuelva la validez de los argumentos acusatorios, y al cual apela el propio autor como proclama artística en el juego de asociación con los reos representados.

Esta facultad de Brito de hablar no por otro sino desde otro, para escabullir y contrabandear comentarios de manera camaleónica, le otorgan a esta serie una ductilidad hermenéutica asombrosa.

Buscando la vida en los pliegues

Y es aquí donde conectamos con la obra de Pablo Cardoso (Cuenca, Ecuador- 1965), también ejecutada en una sobria pero técnicamente demandante monocromía. El primer nivel de tensión que detectamos también tiene que ver con el lenguaje pictórico empleado, el cual emula a la fotografía mediante un preciosismo técnico impecable.

Si hay algo medular en el hecho de trasladar al campo de la pintura estas imágenes aquello justamente sería el diluir la naturaleza retórica propia de la fotografía, hacer que nuestra propia digestión visual sea más lenta, meditada, y así, en ese proceso, magnificar su ambigüedad y, por ende, su capacidad de hablar. Quizá entonces reparemos en lo paradójico que resulta el título de FF (2006) para esta serie (en alusión a la opción del fast forward en un control remoto), donde si bien los sujetos retratados corren con aparente frenesí, la misma acción -que no puede durar más de un par de segundos- es retratada en un conjunto de pausas, haciendo lento lo que va rápido.

El blur del movimiento y el blanco y negro aportan cierta autenticidad a la imagen, similar a la de videos aficionados o de cámaras de seguridad, pero por otra parte escogí un encuadre panorámico, cinematográfico, con la cámara en una posición que a momentos otorga un aire heroico a los modelos. No está demás señalar que el origen de esta idea proviene de secuencias fotográficas como la que captó en 1983 uno de los periodistas asesinados por indígenas en las montañas del Perú -registrando sus propios momentos finales-, o la  ejecución de un prisionero del Vietcong de Eddie Adams, y de tanto ver gente corriendo en las películas.

Por Rodolfo Kronfle Chambers (Quito, 2006)

Las exposiciones estarán abiertas al público desde el martes 1 al sábado 26 de Agosto en Alonso de Córdova 3105, Vitacura.

info @galeriaanimal.com - www.galeriaanimal.com

Horario de atención: Lunes: 16:00 a 20:00 hrs.
Martes a Viernes: 9:30 a 20:00 hrs. Sábado: 10:30 a 14: 00 hrs.

GALERIA DE ARTE TRECE

"ESTADOS - EN EL CAMPO DE FLORES BORDADO"

SUSANA LARRAIN Y LORENA VILLABLANCA

Susana Larraín y Lorena Villablanca, exponen sus obras desde el 6 de Julio en la galería de arte TRECE.

La unión de ambas artistas egresadas de la U. Católica es, primero que nada su lenguaje pictórico, utilizando su refinada intuición y asumiendo la tarea con el propósito de establecer una conexión visual con el mundo trascendente. De esta manera y con distintos recursos plásticos, nuestras artistas nos revelan la naturaleza de las cosas y sus fuerzas ante su ojo interno para extraer de ellas lo elemental; la obra de arte.

Susana Larraín dice que su pintura ha sido para ella un espejo permanente que le indica hacia donde se están conduciendo sus energías, funcionando desde un plano anterior a la conciencia y el presente. Por esto denominó su muestra "ESTADOS", ya que cada mañana se entrega absolutamente al trance de una tela en blanco, y observa como lentamente van apareciendo las imágenes que representan la diversidad de ESTADOS que conviven en nosotros, en un plazo de tiempo determinado.

La tentación de teorizar y conceptuar que primó en su trabajo anterior ha ido cediendo a la necesidad de sacar todo lo que se había incubado en el último año.

En esta exposición nos muestra el sistema de trabajo que la "posee", pues no es algo que haya escogido, sino un lenguaje que venía con ella desde el comienzo. Podemos verla con todas sus coherencias e incoherencias, aciertos y errores en una muestra que se fue armando día a día.....cada día un nuevo cuadro, un nuevo elemento que le diera vida a sus obras. Dejar fuera la razón fue lo que permitió que cada obra fuera el resultado de la honestidad y transparencia en la que quiere vivir, y por lo tanto, la que se refleja en su trabajo: dice que mientras más diga la pintura, más tranquilamente podré desaparecer detrás de ella.

Lorena Villablanca es egresada de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Concepción y Licenciada en Artes de la Universidad Católica, ha desarrollado un trabajo artístico consecuente con su particular mirada del arte y de la realidad. Su contacto con los profesores Eduardo Vilches, Pedro Millar y Jaime Cruz, le ha permitido ampliar su mirada y construcción de su proyecto visual. En su trabajo se observa un original universo iconográfico, figuras que constantemente transgreden la realidad, sugiriendo otro universo, el color es esencial en la obra de Lorena; allí la variedad de signos interactúan para lograr un lenguaje visual nuevo, la temática variada, procedente de la cultura popular, en su variante urbana y religiosa, junto a su universo personal, dan cuenta de una búsqueda expresiva de la realidad actual. Su obra ha sido expuesta en importantes salas del país, y el mérito de su obra ha recibido distinciones que han vitalizado su propuesta estética, el objeto artístico en el caso de estas obra, pareciera estar conectado con su creadora. Su muestra se titula "Estados-En el campo de flores bordados"

La muestra de ambas artistas se inaugura el Jueves 6 de julio a las 19:30 hrs. en la galería de arte TRECE, ubicada en Nueva Costanera 3980 Vitacura y permanecerá abierta al público, hasta el 2 de agosto, de Lunes a Viernes de 10:00 a 20:00 hrs. Sábados de 11:00 a 14:00 hrs.

Teléfono galería 378 19 81 e-mail galeria13@galeria13.cl

CACTARIA ,

EL AZAR Y LA NECESIDAD

ESCULTURAS DE LAURA QUEZADA

Centro de Extensión Universidad Católica

"Cactaria, el Azar y la Necesidad " es el título de la exposición que la escultora Laura Quezada, inaugura en el Centro de Extensión de la Universidad Católica, el 18 de julio.

En esta muestra la escultura aborda el tema de las diferentes especies de cactus y suculentas desde el punto de vista del concepto y la forma; interfiriéndolas con materiales urbanos. Considerando el cactus como icono de la capacidad de resiliencia que significa salir adelante en condiciones adversas, y a la vez recuperar el agave, una planta común en el paisaje chileno de nuestro derredor y llevarla a una obra de arte.

La intención de esta muestra es analizar la forma escultórica de cada una de las especies de cactus y suculentas; y abstraerlas interfiriendo elementos urbanos de desecho como cables oxidados, telefónicos, escoria de metales, clavos, etc. Logrando así la analogía naturaleza- ciudad, descontextualizando dicha figura, planteando la imagen del cactus y suculenta como elemento visual urbano. Por otra parte el agabe tan común en la periferia, y tan presente en el paisaje urbano chileno, se transforma en icono artístico para ser rescatada como obra de arte. Las cactaceas que a pesar de los abatares el tiempo, del descuido y el abandono es capaz de resistir, crecer y reproducirse en situaciones extremas, pasa a ser el símbolo de la tan de moda capacidad de resiliencia.

Laura Qezada es egresada de la U. De Chile, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, e individuales, siendo su última presentación en la Galeria Mek, Maria Elena Kravetz, Cordoba, Argentina.

La muestra se compone de 45 esculturas en formato mediano y grande, realizadas en bronce, madera y metal, aluminio fundido y fierro, algunas tienen aplicaciones en crin, trabajo típico artesanal chileno de la zona de Linares.

La muestra se inaugura el martes 18 de julio a las 19:30 hrs. En el hall Central del Centro de extención de la Universidad Católica, ubicado en Alameda 390, y permanecerá abierta al público hasta el 30 de Agosto, de Lunes a Sábado de 10:00 a 20:00 hrs.

BIM BAM BUM
Barbara Gillmore

3er Ciclo de CINE CLUB "Pasos en la Periferia" que realizaremos todos los días Martes de Julio a las 19:30 hrs. en el Centro Cultural de Providencia. Buena onda si pueden asistir.

Martes 4 de Julio 19:30 hrs.

Uzak (Nuri Bilge Ceylan / Turquía / 2002 / 110 min.)

Martes 11 de Julio 19:30 hrs.

Millenium Mambo (Hou Hsiao Hsien / Taiwán / 2001 / 105 min.)

Martes 18 de Julio 19:30 hrs.

Kadosh (Amos Gitai / Israel / 1999 / 110 min.)

Martes 25 de Julio 19:30 hrs.

Gabbeh (Mohsen Makhmalbaf / Irán / 1996 / 75 min.)

C A S O N A  N E M E S I O  A N T Ú N E Z julio 2006

exposición  resonancia mineral - Esculturas de Alan González

del 6 al 27 de julio En esta exposición el artista nos invita a descubrir la transformación de la piedra, desde variados puntos de vista, se podrá observar el sentido de la vida y la muerte, esculpiendo al ser humano devolviéndole su propia imagen, reflejando su deseo de inmotalidad y trascendencia. González quiere valorizar la piedra como un elemento lleno de virtuosismo, tocándola una y otra vez por la ardiente voluntad del ser, modelada por sentimientos desafiados, golpe tras golpe, la fuerza activa del habitado músculo removerá lo allí embargado por milenios. Libre ya de su mortaja, la nueva forma será también del ser humano y su pensamiento. ENTRADA LIBERADA
lunes a viernes 10:00 a 14:00 y 15:00 a 20:00 horas / sábado 10:00 a 17:00 horas