EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI, SU LEGADO

Enrique de santiago

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El expresionismo en el film “El Gabinete del doctor Caligari” marca un comienzo dentro del Arte de vanguardia en el cine, esta película de Robert Wiene del año 1919, contiene fuertes elementos del expresionismo alemán de la época, como una manera de respuesta a la sociedad y cultura de la época, una pieza engendrada como reacción a la depresión, provocada por la derrota de Alemania en la primera guerra mundial, ya que la firma del tratado de Versalles, con sus leoninas condiciones, marcan el inicio de una era de profunda crisis económica y pesimismo en esta nación, y además se suma a esto la desconfiada relación entre el Estado y pueblo, la que se vería reflejada en esta obra monumental del cine arte. Pero podemos identificar además en esta cinta el nacimiento, o los inicios del surrealismo, planteados en sus decorados o escenografía, llevada a cabo por el gran maestro ilustrador austriaco, Alfred Kubin, quien con sus propuestas tanto en la gráfica ilustrativa, como en este filme con sus espacios curvos, muros inclinados, chimeneas y techos desproporcionados, obtusos, oníricos, y una carga de metalenguaje, heredada del Simbolismo, dan a este filme una característica única, tanto así que Kubin sería unos de los inspiradores del movimiento surrealista que asomaría en el año 1924. Esta película en principio estaba encargada en su dirección a Fritz Lang, pero el exceso de compromisos de este, lo obligaron a desistir dejándole su lugar a Wiene. Otro notable personaje que participa en este trabajo fue el encargado de la fotografía, de un profundo lirismo negro, Willy Remesteir, quien da con el nivel exacto, entre forma y atmósfera que el director deseaba. Punto aparte es la notable actuación de Werner Krauss, como el doctor Caligari y Conrad Veidt, en el papel de Cesare.

La obra transcurre en una ciudad que es visitada por este intrigante doctor, quien viaja mostrando esta suerte de carpa circo de rarezas y variedades, lo bizarro de la historia, es el reflejo del espíritu humano enfrentado a una realidad que le es hostil, y a toda criatura que surge de ella, Cesare, es el producto de esta sociedad decadente, con un ser humano agobiado que busca, en los planos físicos, una respuesta a su existencia. Cesare esta suerte de sonámbulo, este ser hipnotizado y bajo poderes ocultos, que ha permanecido así durante 20 años, lleva en él, impreso el terror de no saber quienes somos, y quienes podemos llegar a ser, pero quizás la realidad de este personaje es menos escalofriante, que la verdad misma que agobia al espectador que lo observa, y por lo ende, la mirada nuestra, hoy en día.

El personaje así como el doctor son seres que se revelan contra los horrores de la guerra, y la sociedad como autoridad que se impone dentro de esta, en esto el trabajo del miedo como catalizador de estos fenómenos, logra estos efectos, como así lo hacen otros filmes de su época, donde podemos citar a “Nosferatus” de Murnau (1924) , o “El Golem” obra escrita por Henrik Galeen, que son pesadillas que nos atormentan, al igual y producto de una sociedad decadente, mas que de una aparición antojadiza de la naturaleza la razón de esta es nuestro propio error, y estas tienen relación mas directa, con nuestras aflicciones y miedos, que con las que nos puede provocar el entorno natural, son en consecuencia, criaturas creadas por el miedo humano, el pánico social, y la incertidumbre de nuestro mañana.

Burton, el extraño mundo de Jack

Esta obra no puede si no ser, también fuente inspiradora, no solo de los realizadores citados antes, que tienen un nexo de contemporaneidad con Wiene, sino que además influencian a creadores, como Tim Burton con “Pesadilla antes de Navidad” (El extraño mundo de Jack) a pesar de que esta está dirigida por Deane Taylor, su génesis, libreto, bosquejo y story board, son obra de Burton, lo mismo sucede con el tratamiento estético que da Terry Gilliam, a “Brazil” y “Doce Monos”, un poco de eso también es lo que se muestra en los cortos de los hermanos Quay, de quienes hablaré mas adelante, y que reaparece en los nuevos videos de bandas modernas como “Portishead” “ Masive Attack” “Bjork” y otros. “El Gabinete del doctor Caligari” como obra maestra es la esencia, de lo que viene, estimula apariciones como el film francés de Marcel L’Herbier, “La inhumana”, 1924, de un corte mas surrealista, inspira también a Cocteau, e incorpora el flash back como elemento de uso en los filmes, agrega un nuevo tipo y forma de iluminación, más arbitrario y personal, incorpora el subjetivismo en la obra, y mezcla lo que es el expresionismo con el surrealismo, forma que reaparecería e obras plásticas posteriores como en Arshile Gorky, o como en mi trabajo, decadencia y belleza, blanco y negro, sombras monumentales pero siempre sostenidas por la luz. Esta obra fundamental es todo esto y mucho más, tanto que su legado se presenta, directa o indirectamente, en gran parte de las grandes piezas del cine clásico y el video, así como las artes en general.

"El Gabinete del doctor Caligari, del director Robert Wiene, fue un filme inspirador, tanto para los cineastas expresionistas posteriores, como de los realizadores surrealistas, esto fundamentalmente por su carácter expresionista surrealista, fenómeno que se repetiría décadas más tarde en otras películas inspiradas por esta obra mezcla del genio del decorador Alfred Kubin, y la dirección de Wiene

Ciertamente debo seguir un derrotero desde donde se palpen estas influencias, y para eso seguiré la huella dejada por su inspiración surrealista, es decir la mano de Kubin

Como contaba anteriormente este diseñador, artista y escenográfo, fue uno de los inspiradores del movimiento surrealista, junto al pintor Giorgio de Chirico (Pintura Metafísica), Los Simbolistas, El psicoanálisis de Freud, y otros. Dan principio, a las primeras fuentes inspiradoras de este movimiento, que perdura hasta los días de hoy.

Dentro de estos notables artistas, podemos mencionar al checo surrealista Svankmajer, nacido el año 1934, este realizador de varios cortometrajes, y el largo “Alicia”, maneja la técnica del stop motion, es decir el trabajo con imágenes fotografiadas cuadro a cuadro, las que después son animadas al pasarlas a velocidad normal. Esta técnica fue ampliamente difundida por la película King Kong del año 1933, para mi gusto la mejor de las versiones. Y desarrollada en películas posteriores con mucho talento por Ray Harrihausen, con filmes como “la bestia de tiempos remotos”, “Jasón y los Argonautas” y al igual que Svankmajer un sinnúmero de cortos, donde plasma su obra más esencial.

Brazil de Guilliam

En el caso del checo, su influencia es tal, que se extiende hasta los últimos decenios, influyendo sobre cineastas como Terry Gilliam, como filmes como “Brazil”, o “12 monos”, que a pesar de no ser cintas esencialmente surrealistas, y perteneciendo mas directamente al cine fantástico, si conservan la atmósfera y ambientación surreal, un poco de lo que acontece con “El gabinete del doctor Caligari”. Svankmajer sin embargo, si es influencia para otros grandes realizadores, me refiero a los hermanos Quay, estos gemelos han realizado un gran número de cortos, de carácter surreal, alucinante y onírico, Ellos cuentan con un buen número de realizaciones para un público muy contado, pero que en cierta manera también han influenciado a otros realizadores como Tim Burton que sí cuentan con un auditorio más masivo. La técnica del stop motion, y los decorados son inspiración de la fuente de los Quay, en películas como “Pesadilla antes de navidad” y “La novia cadáver”, lo mismo que las atmósferas encontradas en "El joven manos de tijeras" o “El gran pez” que se asemejan al filme “Institute Bejamenta” (1992) de los gemelos.

Corto de los hermanos Quay

Los hermanos Quay son sin duda una de las parejas más delirante en la creación del cine, en su filmografía encontramos cortometrajes como “Calle de cocodrilos” (1986) “The Cumb ” (1990), o “Are we still married” (1992) muestran una composición bella y ruidosa para el espectador desde el punto de vista del imaginario, y a pesar de su cuidada construcción, algunas escenas delirantes inquietan y provocan cierto displacer en el que observa, a diferencia de los cortos de Svankmajer, estos poseen una carga visual mas cercana al claroscuro. Notable son sus trabajos de animación para la película “Frida

Es indudable encontrar la presencia e influencia tanto de Svankmajer como de los Quay en los filmes de Tim Burton Ferry Guilliam, o Jeunet y Caro realizadores del filme francés “La ciudad de los niños perdidos”, con un buen grado o dosis de expresionismo, y otros sinónimos en las artes plásticas encontraremos muchos y en especial en la obra de Arshile Gorky, y posteriormente en el Grupo europeo “Phases” y "CoBra, mientras que en Chile lo encontramos en el trabajo del colectivo “Ahorcarte” de Iñaki Muñoz y Jorge Catoni, y bueno, además de mi propia propuesta plástica.

Fatafaga de Ernst

Es ahí cuando se empieza a incubar el termino “Automatismo psíquico”, donde la mente se libera de toda racionalidad e indeliberadamente, deja surgir el ser más profundo, aquel que se nutre de la surrealidad del cosmos.

Fue en la década del 40 posterior a la segunda guerra que Roberto Matta viaja a E.E.U.U. y conoce a un grupo de artistas entre los que se encontraban Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock, y otros. Este encuentro marca el despertar de esos artistas, por el automatismo, siendo el más reconocido Pollock, a pesar de que el nunca se reconoció como surrealista. Pero su técnica completamente automática, lo acercaba mucho a esta vertiente. En el caso de Gorky, si reconoció las influencias de Matta en su trabajo, pero siguió poco después por un camino propio, pues Matta, escarbaba de principio a fin en los universos profundos, con un claro propósito, de que ahí sería donde extraería su formalidad, para llevarla a la tela, su acercamiento al fondo y la forma eran distintas, era mas pausada, una suerte de reconocer primeramente los espacios supra reales, para posteriormente plasmarlos en la tela, en le caso de Gorky, había una aproximación completamente libre hacia sus fondos, una suerte de buscar lo mas profundo y arcano del subconsciente, en su obra no había filtros, o elementos que desechar, todo lo que se aproximaba a las cercanías de su mirada interior era incorporado a su obra. Terminado este proceso venía una segunda mirada para buscar, y reconocer elementos más cercanos en la frontera o los límites de la surrealidad. De hecho a este artista lo podemos encontrar clasificado, dentro del expresionismo abstracto, como también en el surrealismo abstracto, pero en definitiva Gorky era un surrealista expresionista abstracto, esa sería la denominación exacta, la misma que yo me otorgué cuando realicé mis trabajos de fines de los 80 y durante la década de los 90, algunos decían que era una obra cercana a Matta, pero yo tenía claro que no lo era, otros hablaban de cercanía con Kline pero estaba lejos de serlo, hasta que demostré que el fondo que sustentaba la obra, era de una velocidad y automatismo, cercano a los expresionistas abstractos, pero que posteriormente en una actitud mas ralenteada, comenzaba a determinar a aquellas figuras o imágenes que estaban más próximas a los límites inmediatos de los sueños, así construía mundos en escasos 20 minutos, para después incorporar, elementos oníricos de mi memoria mas inmediata, o mejor dicho de mis sueños más reconocibles, a esto agregué ulteriormente elementos del collage, para determinar la casualidad del cosmos en este mapa, de los sueños. Fui un surrealista expresionista abstracto, sin haber conocido a Gorky, mi camino se dio por ese lado de la búsqueda, solo después de muchos años me encontré con las obras de este autor, y me reconocí. De hecho son pocos los cultores de esta manifestación en el Arte. Hoy en día tomando la influencia de los simbolistas o Pre-Rafaelistas he tratado de darle un significado nuevo a mi trabajo y a la mancha, una llave, una guía que se presente ante el espectador, para comenzar a dilucidar una a una las capas de información esotérica, que en mi trabajo se despliegan.

Enrique de santiago

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