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Dom, 10/30/2016 - 13:03 | 
Realizar ...la Acción
JOAN JONAS: CORTAR Y PEGAR
Alberto Caballero
Santander/Barcelona 2016
Joan Jonas: caudal o río/ vuelo o ruta
Fundación Botín / sala de exposiciones
16 de junio 26 de octubre 2016
Santander, España
Alberto Caballero
Viajes, visitas, instalaciones....son algunas notas de viajes a museos, exposiciones, instalaciones recientes, sobre cuestiones relacionadas con 'instalar...la acción'. La acción más allá de la performance, o sea de la presencia efimera del artista, de su cuerpo como objeto, que no deja resto alguno. Más allá de la performance....la instalación, intentaré señalar, apuntar particulares de cada artista. Por otro lado intentaré dar referencias bibliográficas que me han llegado recientemente, en sintesis apuntes, notas, sin intentar sacar conclusiones, ni tesis definitivas sobre algo que está en construcción. Espero vuestras aportaciones al respecto.
primera parte
Nota de prensa + referencias:
"La artista estadounidense Joan Jonas (Nueva York, 1936), pionera en la práctica de la performance, el cine experimental y la vídeo-instalación, es la protagonista de la exposición Joan Jonas: caudal o río, vuelo o ruta, que acoge la sala de exposiciones de la Fundación Botín en Santander del 25 de junio al 16 de octubre de 2016. La muestra ha sido comisariada por Benjamin Weil, Director artístico del Centro Botín.
La creadora estadounidense presenta una nueva instalación multimedia, concebida específicamente para su exhibición en la Fundación Botín, que lleva a cabo en colaboración con quince jóvenes artistas internacionales, seleccionados por la propia Joan Jonas para participar en el Taller de Artes Plásticas de Villa Iris, que tiene lugar del 6 al 24 de junio de 2016.Un trabajo en el que la artista profundiza en su investigación sobre la compleja relación del ser humano con la naturaleza y el medio ambiente, un tema que ha sido una preocupación constante a lo largo de su trayectoria.
La nueva pieza se mostrará junto a una selección de videos que documentan cinco de las más relevantes performances que la artista ha ejecutado en los últimos quince años: Lines in the Sand (2002); The Shape, The Scent, The Feel of Things (2004-2006); Reading Dante (2007-2010); Reanimation (2012); y They Come to Us without a Word (2015). Este conjunto de obras brindará al visitante una perspectiva única del universo creativo de esta figura fundamental de la vanguardia neoyorquina de finales de los años sesenta y comienzo de los setenta. "
los videos que se presentan en la exposición
otros
Joan Jonas en conversacion con
con Robert Ashley
coreografia para su opera 'celestial excurtion'
Drawings | ART21 "Exclusive"
21.10.2014 Reanimation | Performance by Joan Jonas and Jason
Moran dOKUMENTA (13)
TateShots: Joan Jonas at the Venice Biennale 2009
Joan Jonas | Light Time Tales @hangarbicocca
Lectura de Dante II, III 2007/2009
Joan Jonas: Layers of Time
Louisiana Channel
Se Acercan a nosotros sin palabras II
Joan Jonas. U.S. Pavilion at Venice Art Biennale 2015
Joan Jonas in Hangar Bicocca: "L'arte non deve fare nulla"
Referentes:
Kazuo Ohno
Tadashi Endo
Yong Gushin www.yonggushin.com
Robert Wilson
leer
De la Acción en la Performance a la Escena como Acción
segunda parte
Nos invaden los americanos
Sobre el discurso, y de que discurso se trata
joan jonas y el pastel de milhojas
ramón esparza
el cultural 8-7-3016 pag 32-33
Joan Jonas: "Espero que la performance no se convierta en puro entretenimiento"
entrevista con joan jonas en
Saioa Camarzana | 24/06/2016
Para comenzar esta segunda nota debemos aclarar rotundamente que el arte (en general, y como tal) no tiene discurso, no constituye un discurso. Esta aclaración ya la he repetido en muchas ocaciones e insisto en ello, insisto porque se ha transformado en 'un sintoma' de criticos y reflexiologos al respecto del artista y de su producción. El discurso se trata de una estructura, de pensar, de discurrir: lo son la religión, la filosofía, la universidad y sobretodo la política, al producir un modelo de sujeto, de ciudadano y/o de sociedad. El arte al ser de lo singular de cada artista, no produce ningun modelo determinado ni de sujeto ni de sociedad, puede implicar una lectura mas o menos acertada de 'la naturaleza', de la sociedad, del sujeto que le toca vivir a cada artista, pero lo fundamental es que va más allá de todo discurso, me he cansado de nombrar a Leonardo o Miguel Angel con respecto al humanismo renacentista, en el lado opuesto Bacon con la caida de dicho humanismo, o sea del ideal de la imagen del cuerpo, etc.etc. O sea, el artista no produce un discurso, produce arte, va más allá del discurso, sino que se lo pregunten a Louise Bourgoise, pese a los cientos de notas sobre su propio psicoanálisis, su obra trasciende el discurso psicoanalítico y atraviesa el objeto, el fantasma y el trauma, a pesar de los criticos, periodistas, curadores que se regodean con comentarios al respecto. El caso de Joan Jonas, si encontramos referentes en filosofos como Foucault, Benjamin, no quiere decir que se reduce 'a su discruso artistico'. La filosofía es sobretodo reduccionista, ya lo dice el propio Bataille, y el arte es extensivo, abre nuevos caminos, ya lo dijo Nietzsche con respecto a la musica y Freud con respecto a la literatura.
Escuchando, leyendo las entrevista, conversando con tal critico o tal otro artista, podemos ir sospechando en las palabras de JJ que el proceso de su obra, en general, tiene que ver con la naturaleza. Así como para Louise Bourgoise tiene que ver con la cosa-objeto como resto del Otro, para JJ tiene que ver con las imagenes de una naturaleza perdida, con los restos que nos deja nuestra visión de la naturaleza. No de una naturaleza salvaje, terrible, destructiva, amenazante, sino una naturaleza a contemplar desde afuera, mas allá de la imagen. Mejor dicho utiliza la naturaleza como imagen a contemplar. No conozco profundamente el arte américano, solo algunos de los grandes artistas, que han producido rupturas fundamentales con respecto a la modernidad europea, como Pollock, Cage y más adelante Lynch, que nos muestran no solo la caida de la tranquila representación de las vanguardias, sino el horror de lo que esta velado.
JJ, más cerca de Andrea Fraser, y seguramente muchos más, nos quieren mostrar el anverso, el lado amable, el lado complaciente, en el sentido placentero, simpático. Ella misma se muestra como una señora mayor, simpática, agradable y dialogante con su medio y con los artistas del momento. No hay crítica, crisis, o ruptura ninguna. Es un producto para 'coleccionistas' para fundaciones, para festivales de patrocinio privado, de representación nacional a las bienales, etc. Es un producto, idem que la Fraser, complaciente para un público complaciente.
Si quisieramos entrar algo más en esta linea, tenemos por un lado la america de las guerras, de las guerras militares, pero también de la guerra de los sexos -con los hippies, el punk, el rock, etc- las guerras comerciales, financieras; pero por otro las lineas de pensamiento que vienen de Palo Alto, David Tudor y John Cage, por consiguiente de Japon....de Yoko Ono...de aqui a Merce Cunningam....etc. Lo contemplativo, el vacio, la naturaleza, la serenidad ante todo, y aquí nos encontramos con Mark Rothko, incluso con el canadiense Bill Viola, y porque no el americano Robert Wilson. El horror se ha transformado en mística, en una mística del espíritu laico. Se trata de un retorno a la naturaleza para encontrarnos con un espiritu laico, lo oriental en occidente. Por que no nombrar a Frank Lloyd Wright, el gran conciliador de la modernidad que venía de Europa (sobre todo Le Corbusier (que plantea la ruptura total con la historia y la ciudad neoclasica del momento) y la arquitectura que se importaba desde Japon, el dialogo con la naturaleza, los espacios continuos dentro y fuera, etc etc. En la película Luna en Brasil, sobre la vida de Elizabeth Bishop se muestra claramente ese tipo de arquitectura en dialogo con la naturaleza, no imponerse, dejar pasar. Una frase propia de Bishop famosa en la epoca: "No se trata de vivir el arte sino del arte de vivir."
tercera parte
Despues de la visita a la instalación
Fundación Botín/Santander
Septiembre 2016
Workshop
archieve
bienales
grandes museos
fundaciones
discursos/dibujos
espejos/pantallas
teatro Noh de Japón
Dos cuestiones claramente diferenciadas y tan importante una como la otra: 1.la obra de la artista, los grandes videos, 2. la instalación de la obra en las salas de la fundación Botín.
Voy a empezar por la segunda cuestión, ya que esta es una serie de notas referidas a viajes y visitas de exposiciones/instalaciones de artistas. En este caso es una seleccion de seis obras de JJ que tienen como fecha 2002 al 2016, además de la cronología tienen el sentido de mostrarnos el desarrollo de las obras. Agradecemos al comisario la instalación de las obras en salas cerradas y aisladas una de otra, ya que en la mayoría de las visitas que hemos realizado de obras en video esto crea serias dificultades al espectador. Las obras tienen como duración de 45' a 80' por lo que es necesario sentarse en butacas comodas, lo que no es así en este caso: o de pie en la primera sala o en banquetas estrechas e incomodas, que dificulta la disponibilidad del espectador, recomendamos encarecidamente tener en cuenta este aspecto, en particular en este caso, no se trata de un recorrido de una a otra, sino de una visión atenta de cada una en particular. Aquí se trata, a diferencia de otros casos, de pantallas de grandes dimensiones, entre el video y el cortometraje, entre la sala de museo y la sala de proyecciones de cine. Además observamos con atención que algunas de las obras se han gravado en video en salas de espectaculos donde los espectadores estan sentados en butacas comodamente observando el desarrollo de la obra. O sea aquí nos queda claro que por un lado es una obra que se realiza en una sala y por otro lado un video gravado de dicha obra.
Planta baja y primera de la sede de la fundación indicando la ubicación de cada video
Las obras son instalaciones/gravaciones realizadas en entidades como bienales (de Nueva York, de Estocolmo, de Venezia, etc.etc.), en grandes museos como La Tate, el MOMa, etc o como en este caso patrocinadas por fundaciones privadas. La realización de la obra, su destino y el patrocinio van a la par, al contrario de la obra de Louise Bourgois donde se realiza en el taller de la artista durante casi 50 años para luego ser expuesta en galerias y museos. En el caso de LB la difusión de la obra es estricatamente restringida, hacia adentro, se privilegia la obra, en el caso de JJ la difusión de la obra se realiza hacia afuera, por un lado la instalación de la obra y su realización final en video, como conferencias, workshops, sesiones de dibujo, archivo, gravaciones, siempre en público, donde todas estas cuestiones forman parte de la obra misma: ella dando conferenicas, debates, dibujando, manipulando materiales, gravando, moviendose, interactuando con otros personajes, etc. Esto nos lleva a la primera cuestión: ¿Cuál es el objeto de esta obra en grandes dimensiones?
La primera cuestion: La obra de la artista, los grandes videos: Cuando me refiero a grandes dimensiones, quiero señalar que la obra de LB empieza por las pequeñas dimensiones: objetos, esculturas, instrumentos, dibujos, etc, que luego pueden ser una obra en si mismo, o formar parte de una obra (Celdas) en grandes dimensiones, lo que cambia es la escala de la obra, no hay un cambio de pantalla, las pequeñas dimensiones se pueden transformar en grandes y las grandes se podrian reducir en pequeñas. El caso de JJ, es radicalmente diferente, el objeto cosa es totalmente secundario, permite pero no es determinante, el objeto se ha transforma en 'pantalla' . Si en el esquema de construcción del objeto Jacques Lacan dice que el objeto se re-construye mediante pantallas, que son una serie de pantallas que nos permiten (a nivel perceptivo) instalar el objeto (con sus dificultades o fallos), aqui lo interesante es que el objeto de la obra de JJ son las pantallas mismas, las multiples panatallas permiten ver, velar, desplazar, dibujar, o mover, las multiples pantallas según la artista realiza la instalación. Incluso la instalación se realiza cada vez, no hay una realización en video totalmente realizada, se realiza cada vez que la artista la instala en un museo, una bienal, etc.
Intentare dar cuenta de la sucesión de pantallas, no digo serie porque una constituyen una serie fija, es aleatorio, ahora una ahora otra, según el caso, de allí sucesión. En todos los casos, al fondo de la sala donde se realiza la actuación, hay una pantalla la llamaré de fondo donde se proyecta un video (primero) con imagenes también sucesivas, quiero decir no construyen un relato escrito fijo, puede ser una u otra. En un segundo momento la artista instalada en un lado de la sala, delante de una mesa con objetos, dibujos, instrumento los está gravando por webcam, también de manera aleatoria o sucesiva, uno detras de otro, proyectandolos a la 'pantalla de fondo' ahora dibuja, ahora mancha, ahora pinta, ahora corta, etc. En una otra pantalla lateral, en dirección contraria, podemos tener un músico, un percusionista, un pianista, etc que interpreta piezas musicales con el mismo caracter sucesivo, no intenta ilustrar lo que sucede en la sala, ni siquiera complementarlo, el sistema no se cierra, se abre siempre. Luego se abre una nueva pantalla, donde la artista u otros participantes, se mueven manipulan elementos, lo gritan, chillan o sencillamente se desplazan. Todo esto se esta gravando y proyectando en 'la pantalla de fondo', a esto pueden aparecer superpuestos en esta pantalla otras imagenes, antiguas actuaciones, dibujos, o actuaciones laterales del escenario: las pantallas se superponen, pero nunca con el sentido de cerrar 'la pantalla de fondo' como obra en video. A esto se agrega que la artista lee determinados textos, la voz de la artista, o de otros lectores, textos que aparecen editados en 'la pantalla de fondo', y por último aparecen los textos subtitulados en castellano, o sea la palabra, la voz, y el texto escrito también son pantallas que forman parte de la obra.
La obra en si, es una sucesión de pantallas, que suceden contantemente, sin principio ni fin predeterminados, lo que se cierra es una gravación XX de la obra para ser proyectada posteriormente en salas de proyecciones de museos, festivales o por supuesto en internet, youtube, congresos, entrevistas, etc. O sea es una obra que se proyecta al infinito. Lo que para mi, por ahora, no me queda claro es que si se proyecta la obra o la artista misma, o si la artista forma parte de la obra en si.
El desarrollo de la obra, en el tiempo: en las primeras obras, que he podido visionar por youtube, las acciones son muy simples, por ejemplo una mujer desnuda se observa con un pequeño espejo, JJ lee un texto, o da una conferencia de prensa, etc, con público o sin público. Insisto no son performance, ya que no tienen los caracteres determinados en el arte de acción (la presencia, lo efimero, etc) , son actuaciones, son preparaciones para actuaciones mucho mas complejas, que vienen del teatro Noh de Jaón, o de la danza contemporánea americana (Merce Cunningham y otros ver nota en http://www.geifco.org/actionart/actionart02/nmAU/nmau.htm). Así en el desarrollo de las obras, de las salas de la fundación, se confirma esto, las primeras ya complejas, mantienen todavía la idea de la sucesión de pantallas de la arquitectura japonesa, de los abanicos del Noh, pero ya en 'Forma, olor, sensación de las cosas 2005/2006' se trata de la construcción de un espectaculo en grandes dimensiones: las pantallas, los personales, las coreografías como patituras, la no-relación de una pantalla con otra, quiero decir que los personajes también actuan de pantallas, la gran pantalla de fondo, para que todo esto, sucesivamente, sea filmado desde el punto de vista de un realizador/pantalla, también el realizador de la obra/video es una pantalla. ¿Para qué? Para que el espectador también se transforme en una pantalla.
Luego de la visita, lo más detenidamente posible, que me permitió mi cuerpo, sostengo que no se trata de ningún discurso: ni de la naturaleza, ni de la mujer, ni de la obra de arte, es solo una metonimia de imagenes sucesivas, y de pronto se produce un corte, y aparecen en la pantalla de la sala los titulos de la obra: lugar de realización, artista, nombre de la obra, fecha y demas. Y de una obra a otra me pregunto donde está la metáfora, no puede darse por que en el aparato del lenguaje la metofora implica obligatoriamente no solo una falta, un cambio de registro, sino además un cierre, aquí ni siquiera el nombre de la obra: lineas de arena, forma, color snsación de las cosas, implican un nombre, son una manera de denominar. La denominación ocupa el lugar del nombre, donde la sucesión de cosas, de pantallas, ha ocupado el lugar de La Cosa. Así como en la obra de Louise Bourgois La Cosa, la cosa fantasmática, se instala mediante las celdas, las celdas con escenas de un fantasma de tejer/destejer, de textura, aquí en la obra de Jane Jones, el fantasma se ha hecho realidad, realidad de las cosas, de cosas banales: canicas, cortar y pegar, manchas, bastones para saltar, etc etc. La Cosa se ha fragmentado, se ha hecho 'cosita', el texto se ha transformado en palabras de cortar y pegar.
Alberto Caballero, Barcelona Noviembre del 2016
Escáner Cultural nº:
196 
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