METODOLOGIA DANZA-TEATRO

Por Vicky Larrain

culturachile2007@gmail.com

LA IMPORTANCIA DE LA IMPROVISACION DESDE LA ABSTRACCION.

El ejemplo mas claro es el cuadro GUERNICA de Picasso ya que no es un toro extraído de la realidad dando valga la redundancia, la ilusión del animal despavorido.

La ilusión de la mujer destrozada entre otros motivos realizados y cada uno de ellos devienen la ilusión.

Cuando a un estudiante se le pide que improvise de manera libre, o se le entrega un tema abierto a su imaginaron, este, no tiene parámetros para realizar el ejercicio.

La abstracción provee de estos parámetros y entrega al alumno una plataforma de referencias que son común denominador a todo arte:

Forma tiempo espacio y movimiento.

Análisis de estos conceptos.

La forma se compone esencialmente de dos conceptos: la línea y el volumen.

Ejercicios: Seguir la línea. Al realizar este ejercicio el alumno sigue la línea que vaya diseñando con la mirada y el cuerpo. De esta forma, proponemos el concepto de descentralización. Podremos ver entonces el diseño creado o sea lo que vaya creando y no a la persona. Pondremos énfasis en el diseño

El tiempo contiene las variantes de: rápido, lento, detención

El estudiante debe intentar enfatizar en este concepto para mostrarlo a través de estas variantes.

El espacio contiene principalmente lo periférico y lo cercano: volumen: en esto se complementa con la forma.

Deseo ver el espacio y su diseño no a la persona, expreso constantemente en su clase Alwin Nikolais gran maestro de la danza-teatro.

Movimiento

Variantes: Ondulación, angularidad, stacato

El movimiento tiene diversas manifestaciones.

En el arte de la danza-teatro, las variantes denominadas arriba, son imprescindibles de concientizar. Si se pide al alumno de le da un trabajo sobre la levedad este puede tomar como referente el concepto de líneas suaves, desplazamiento rápido, ya que es una forma de moverse que entrega el concepto pedido y se acerca a lo efímero que es también levedad.

Creo importante todos los referentes nombrados para que así el estudiante  adquiera una plataforma o abecedario y pueda basarse en parámetros que le aclararan la forma de enfocar su trabajo.

LA TRANCISION DEL MOVIMIENTO.

La transición es la manera que diseñas, con la que te   desplazas de un movimiento  a otro. La transición puede ser enfocada desde el diseño de la forma, desde el diseño del tiempo y del espacio.

El traslado de un movimiento a otro es lo que se denomina transición.

El movimiento tiene como objetivo el traslado de un movimiento a otro por más pequeño que sea. Si la transición de un movimiento a otro no tiene diseño pasa a ser plano. En el ballet clásico por ejemplo el intérprete va de un paso a otro sin diseño de la transición. En la expresión corporal la transición es más importante que el movimiento en si. Como diseñas el traslado es lo que hace que la corporalidad exprese la psicomotricidad. Por esto y para desarrollar la transición se entregan ejercicios diversos: Ej. Diversas imágenes o formas sucesivas tratadas de manera fotografica como es  un movimiento directo al otro (sin diseño de transición) para luego concentrar al alumno en el como se traslada de una imagen o forma a otra. Es en este momento cuando aparece el arte de la danza-teatro.

EL CONCEPTO DE CONTRASTE

En la danza-teatro, el concepto de contraste implica efectuar una acción artística  que marque una diferencia.

Ejercicio: Como llamar la atención.

Este ejercicio tiene como objetivo clarificar el concepto de contraste.

Si a un grupo de alumnos se le pide quien de ellos logra llamar la atención, el alumno deberá llegar necesariamente al contraste.

Ejemplo: Si la mayoría está saltando, la persona que desea llamar la atención, no puede hacer lo mismo.: contraste de movimiento. Deberá asimismo colocarse en un lugar donde se perciba su presencia (no saca nada con no saltar si no se le ve). 

También puede desplazarse sin saltar. Contraste de espacio

Si la mayoría esta en acción rápida el estudiante deberá buscar una acción lenta, lo que marcaría el contraste de tiempo.

Si las personas se mueven con movimientos angulares, el estudiante deberá trabajar lo ondulado o stacato. En este caso estaríamos viendo  un contraste de movimiento.

Y para terminar si las personas están diseñando formas de tipo cerrado, el estudiante deberá trabajar la forma  mas abierta.

 Ahora bien en el caso de que no todos salten, y haya personas que propongan otra cosa, el estudiante deberá ingeniárselas para realizar una acción realmente original que impacte por su imaginación e iniciativa.

COREOGRAFIA GESTUAL

Definición de la palabra Coreografía: diseño de una estructura que coordine diversos pasos de baile, los cuales al componerse, resultan una coreografía

Puede ser individual o grupal.

También se puede definir como una acción Socio motriz, donde existe siempre la presencia de uno o varios compañeros que sincronizan sus acciones motrices en un espacio estable reglado, para conseguir la realización de movimientos en conjunto.

Por tanto, se trata de un arte  eminentemente cooperativo, donde los intérpretes  realizan unas habilidades motrices específicas establecidas de antemano, en busca de una gran perfección técnica y coreográfica.

La Coreografía Gestual es aquella que  fusiona el gesto y el movimiento. En este caso el gesto tiene una importancia preponderante en el desarrollo de la estructura. Este es el que decide el movimiento.

En el trabajo  Las Pescadoras que se inicia en el taller de Danza-Teatro, el gesto va llevando el tema. Es por lo tanto un gesto abstracto que no imita la realidad sino da la ilusión de esta.

No es como se mueve el cuerpo sino que es lo que lo mueve.

Esta frase de la famosa coreógrafa y creadora alemana  Pina Bausch implica el concepto de la energía emocional.

Significamos con esto que por ejemplo Una caricia puede ser una danza, vamos mas allá del esquema coreográfico convencional para adéntranos en el espacio interno de cada uno de nosotros, conectándonos así con nuestro ser profundo.

El gesto tiene mas a ver con la personalidad de cada uno y es desde  allí podemos investigar nuestro movimiento propio. Cual es.

Y acercarnos por tanto a un estilo latinoamericano urbano y contemporáneo. De allí la importancia de trabajar con el gesto hacia el movimiento

EL TERCER CUERPO

Con la intención de desarrollar una mejor comprensión de la abstracción, se crea el concepto del tercer cuerpo.

Significa mimetizarse con un elemento (material de tela, objeto como mascaras ruedas o lo el estudiante imagine) El alumno es un cuerpo, el elemento escogido es otro cuerpo, al fusionarse los dos cuerpos se crea un tercer elemento que llamamos el tercer cuerpo.

Preguntas frecuentes: ¿Debo desaparecer para realizar este trabajo?

No necesariamente en la segunda foto de arriba, se observa  una transformación del ser, el cuerpo cambia de perspectiva y aparece el tercer elemento.

En general el alumno reacciona a la propuesta buscando un material que lo esconda. Sirve al objetivo, pero no ese el resultado necesariamente.

Puede (como vemos en las fotos) realizar otro ser y así fusionarse con el elemento escogido. Este ejercicio sirve a desarrollar el concepto de descentralización, concepto fundamental en el arte de la corporalidad.

EL CONCEPTO DE DESCENTRALIZACION

1<Yo no quiero verte a ti, quiero ver el espacio que provocas, deseo saber acerca de tu diseño. 2<El bailarín es una parte mas del universo, no es el centro. No importa como se mueva, importa desde donde se mueve. Frases de Alwin Nikolais, maestro del multimedia creador del concepto de descentralización aplicado a la danza-teatro.

La filosofía de Alwin Nikolais se centra principalmente en la descentralización del movimiento. Esto significa que el estudiante aprenda a desarrollar la capacidad de que se observe su propuesta y no a la persona que la realiza.

Ejemplos: Si un arquitecto, diseña una casa, lo que vera es el resultado de su diseño o sea la casa y no a el en frente de la casa. Su nombre aparece pero no su presencia. En el arte de la danza-teatro es parecido.

Si la profesora (o) sugiere  desarrollar la alegría  seria muy fácil dar saltos, sonreír y o ejecutar cualquier símbolo que esta  emoción conlleva. Seria una imitación de la realidad y no un diseño propio.

Para obtener un resultado optimo el alumno debe saber cuales son los elementos abstractos de esta emoción: líneas hacia fuera, expansión, espacio abierto, desplazamiento. Al contrario de la pena que lleva líneas hacia abajo, espacio limitado, formas encerradas y tiempo lento.

A partir de ese conocimiento el observador podrá ver efectivamente la emoción y no al interprete. Igualmente Uds. se preguntaran ¿Pero como voy a desaparecer? La respuesta a esta interrogante es- No desaparece solo aparece el diseño y de forma mas interesante.

Esta propuesta sirve para el caso de la danza-teatro ya que la danza) movimiento condicionado a un alfabeto técnico, responde a un enfoque mas realista.

En casi la mayoría de las artes el diseño es lo más importante, sin embargo en el arte de la corporalidad estamos bastante atrasados y muchas veces no tenemos como ni de donde sacar material para el trabajo pedido.

Es por esta razón que se insiste en el conocimiento d la abstracción.

EL CONCEPTO DE ALERTA.

Intentamos que el estudiante desarrolle la percepción mucho más allá que la experenciada hasta ahora. Debemos ser capaces de estar alerta para los diversos obstáculos desafíos y sorpresas, en este caso de carácter corporal.

El ejercicio mas simple es: Si estas en un grupo de unas 12 personas que se mueve en un espacio pequeño y el profesor pide que se camine rápido, se debe estar atento para no tropezarse con los demás para tomar diversas direcciones sin toparse, para caminar hacia atrás sin quitar espacio a otra persona que va hacia delante.

El desarrollo de la percepción en sus 360 grados es fundamental para desarrollar esta atención.

Como ejercicio es asimismo importante dar el concepto contrario “La somnolencia” de movimientos totalmente contrarios al alerta. Así el estudiante podrá sopesar como el cuerpo se mueve de manera diferente según la propuesta.

INTERACCION ENERGETICA A TRAVÉS DE SÍMBOLOS

El  Comportamiento humano depende de la energía que lo subraya.

En la expresión corporal,  gráfica, de la interacción energética, éste concepto, adquiere un relieve importante si logramos darle la impronta necesaria.

Remitiéndonos a la  Danza-Teatro, podemos diseñar nuestras acciones y reacciones y moldearlas de acuerdo al movimiento.

Ejemplo:  La figura A entra a un espacio X de circunstancia o situación.

Según su propia verticalidad y coherencia puede o no ser moldeada por el estímulo que reciba en ese espacio. Si una figura B, que se encuentre en ese espacio, con lleva una fuerza distinta a A, puede provocar cambios importantes dentro de ésta, que dependerán de la tolerancia y necesidad de los mismos en B.

Para simplificar tomo el color como un dato para graficar. Si A es una figura descolorida, apliquemos el color gris. B por contraste y en una fuerza implícita, le aplicamos color rojo.

  A sentirá al menos el concepto de contraste con su propio color.

Por no decir que gris es menos que  rojo o citando un lugar común lo Gris deprime, lo rojo da fuerza.

Otro ejemplo: Figura C tiene pena: En la danza, dicha emoción. puede graficarse de varias maneras, la más recurrente es la forma literal. Donde él interprete representa de manera literal, la emoción nombrada
O puede graficarse con diseños lineales hacia abajo y espacio cerrado

Este signo será en este caso, diseñado por la conformación de las líneas corporales y volúmenes respectivos.

 Y es, en ese instante que entramos en el mundo de la abstracción

 En otras palabras diseñamos la energía de la emoción, ahondando en la esencia del concepto. Desde ese prisma, podemos realizar la coreografía, donde la misma figura convierte la tristeza en alegría, en cuyo caso el diseña abstracto, anterior al tratamiento del cuerpo danzante

Segrafica  en espacio abierto y forma con líneas hacia fuera

 La aplicación de conceptos como el tiempo, también se adhieren al diseño.

La tristeza en si contiene al tiempo lento aportando la atmósfera necesaria y así también el  movimiento: la  danza estará enmarcada en las características prediseñadas y el espectador sentirá  la atmósfera, desde  su propia emociónalidad.

Así, si tenemos  el conocimiento de la herramienta para la aplicación de la abstracción, podemos trascender la literalidad de la representación de la historia, para diseñar la energía de las emociones, sensaciones, situaciones -circunstancias.

NOTA: Fragmento parte de la investigación: Interacción Energética Coreografía Virtual. Proyecto Fondart Arte en Internet de Vicky Larrain

ARTICULO BASE DE EJEMPLOS DE DANZA-TEATRO

Pina Bausch: La mejor coreógrafa del siglo XX

Desde niña Pina Bausch "bailó sus sentimientos", prefería expresarse en movimientos antes que en palabras. Hoy, a los 63 años de edad, la pequeña Pina Bausch es considerada por la crítica mundial la "mejor coreógrafa del siglo 20"

Una montaña de flores rojas.

Imágenes a destacar: una montaña de siete metros de flores de seda rojas en una esquina del escenario o el limpia cristales suspendido en el aire con su cubo frente a la tarea imposible de mantener impecable las superficies de vidrio de los grandes rascacielos de la ciudad. La banda sonora aborda todo un mundo, desde Cesaria Evora, hasta canciones y danzas tradicionales chinas, pasando por Vangelis, música gitana de Rumanía, Burt Bacharach y Dizzy Gillespie.

 Pina Bausch trabaja sobre temas predilectos que son especialmente el amor y la muerte, así como las relaciones hombre-mujer, la violencia contra la mujer, y las relaciones entre el individuo y el grupo.

Su destreza radica en mostrar las debilidades de ambos géneros, mujeres y hombres como víctimas y victimarios. Ya sus primeras coreografías, aún las más tradicionales, basadas en grandes textos de la literatura mundial o piezas musicales, dejaban entrever que algo nuevo estaba surgiendo.  La artista expresaba los temas existenciales, como la vida y la muerte, a través de imágenes visionarias y de una fuerza arcaica inusual para la época. A partir de ese momento dejó de contar una historia, para contar varias historias pequeñas sobre el amor y la ternura, la soledad y el poder.