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Santiago de Chile. |
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Número 71 Abril 2005 |
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LOS FRAGMENTOS ÁCIDOS
DEL ARTE Y DE LA VIDA (MISMA)
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Primera pieza de Música de Cámara, mayo de 1984 |
-Un acercamiento a la obra de Juan José Díaz Infante-
(Segunda Parte)
Desde México, Araceli Zúñiga
Nuestro escenario in situ: El Festival Internacional Cervantino, la 8ª Bienal Internacional de Poesía Visual-Experimental y los Fragmentos Ácidos del Callejón Cañitas, Galería La Carbonera, en Guanajuato.
De nuevo la escritura como forma envolvente, sinestésica. La mano y la hoja de papel, el mouse , el modo y el modem, decía(mos) en el texto de sala/vestíbulo de la Universidad de Guanajuato, donde se expuso parte de la Bienal. Y añadimos.
Son formas –un golpe de dados (¿abolirá el azar?)– que hemos visto y digerido desde la publicidad y los medios de comunicación audiovisuales y, por supuesto, los digitales ( la galaxia Internet , las comunidades espóricas, hasta nuestro punto Ge)… Y aquí merito, en este punto Ge, aparece con sus lentes de huevos estrellados Melquíades Herrera, quién, junto con Juan José Díaz Infante representan al artista/instigador/provocador de la palabra que nos descubre las otras maneras de escribir y leer el arte , los otros modos , en el caso de Melquíades con y a través de objetos de la cultura popular mexicana. Con Díaz Infante a través de la interdisciplina . A éllos y a su irreverencia impura y transgresora, que elimina células muertas de nuestro vecindario artistoso, estuvo dedicada esta 8ª Bienal melquiadesaristotélicakubriciana con un típico/clásico recordatorio
chirriante/
urticante/
contracultural/
regrésamelasipuedesmitoritonegro…
¿Qué es y qué no es la "poesía experimental"? Hablamos de un conjunto multi/transdisciplinario y también de una verdadera sopa de letras en cuanto a corrientes que se entrecruzan, que se entreveran (intertextuales), a herencias y herejías que siguen irradiando potencias creativas/ transgresivas. Incluso en esta posmodernidad donde circulamos –neutros– como fantasmas.
Volvamos a Díaz Infante.
Estudió fotografía en el Brooks Institute of Photography. Fundó el grupo artístico multidisciplinario Música de Cámara junto a Arturo Márquez y Ángel Cósmos y, desde 1995, es miembro de Integrarte. Ha editado revistas y libros objeto, además de varios productos multimedia y el sitio Internet Altamiracave . Ha sido profesor del Centro Nacional de las Artes y del Centro Universitario de Integración Humanística, en la Maestría de Arte Contemporáneo en México.
Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en México, Argentina, España, Brasil e Italia, entre otros países, y participado como curador de fotografía y video en algunos de ellos, como el Museo de la Imagen y el Sonido de Sao Paolo, en Brasil. Ha incursionado en la instalación, el video y el performance . Sus imágenes han aparecido en un sinnúmero de revistas, dentro de las que destacan Vogue, Órbita y Expansión, y en libros como Díaz Infante visto por Díaz Infante, Cien en el pico y El rastro de la experiencia. Además de dedicarse a la fotografía, trabaja en proyectos de identidad corporativa, en la producción de una cinta de largometraje y en la promoción y venta de artesanías de la India.
Sobre el Proyecto Música de Cámara de Díaz Infante, me gustaría citar a Fernando Castro, curador de fotografía latinoamericana y colaborador de ART NEXUS:
³Los filósofos sólo han interpretado el mundo de varias maneras aunque de lo que se trata es de cambiarlo.²Karl Marx
HECHO:
³Muchos han cambiado el mundo aun sin entenderlo.²Mala Karma
”No estuve en el ‘Concierto Para Fotógrafos' que en 1985 ejecutó el grupo Música de Cámara, integrado por el fallecido Ángel Cosmos ( † 1994), Juan José Díaz Infante y Arturo Márquez, acompañado por una orquesta de fotógrafos, entre quienes estaban Lourdes Almeida , Alejandro Castellanos, Gilberto Chen, Miguel Femat, Gabriel Figueroa, Ricardo Garibay, Graciela Kartofel, Marisa López, Salvador Luteroth, Jesús Sánchez Uribe y Antonio Vizcaíno. Sólo supe de este performance diez años más tarde en Xalapa en ocasión de la lectura del ensayo ‘Crossover Dreams'. El tenor de ese ensayo da cuenta parcial de la amistad que desde entonces he tenido con Juan José, quien me describió una serie de actos de demencia calculada perpetrados por Cosmos y el susodicho. A mi insistencia, Juan José me envió a Houston un video de ‘Concierto para Fotógrafos' que además contiene una entrevista a los principales conspiradores y otras piezas ‘musicales' más.
“Probablemente el lector de este ensayo esté al tanto de los hechos del caso. No obstante voy a asumir una audiencia menos enterada y comenzar con una breve descripción del ‘Concierto Para Fotógrafos' que quizá acuse ya cierto punto de vista. No sé si quienes asistieron al evento tenían idea de lo que iban a presenciar. A lo mejor esperaban escuchar algo similar a lo que en esa misma época hizo Philip Glass con la pieza (concierto, danza y teatro) The Photographer (1982), inspirada en algunos eventos de la vida de Eadweard Muybridge (1830-1904). Mas cuando los ‘músicos' aparecieron en el escenario portando sus instrumentos (cámaras fotográficas, motores de avance, flash-electrónicos) y el concierto comenzó entre los clics de los obturadores, el girar de los motores de avance, el chirriar de los flashes electrónicos al recargarse y el rugir del sintetizador se sintieron algunos acordes que más sonaban a John Cage que a Glass.
”No tengo la menor idea sobre quién pudo haber asistido a este acto de subversión musical. Me imagino que algunos asistentes se marcharon a mitad del concierto, que otros se habrán divertido jocosamente, que otros se habrán puesto meditativos y unos últimos habrán querido indagar donde compraban sus porros los cuates del grupo Música de Cámara. Quizá quienes no asistieron y escucharon versiones interesadas de lo acaecido se habrán lamentado de haberse perdido aquel acto de epifanía artística o se habrán alegrado de no haber visto las patrañas de una partida de ‘burguesitos alienados'.
“En el año 1984 se llevó a cabo en La Habana el Coloquio Latinoamericano de Fotografía 2 y la práctica fotográfica entre la mayoría de sus participantes se orientaba hacia el modo documental de la fotografía. Me permito una digresión para establecer el contexto cultural en el que Cosmos, Díaz Infante y Márquez esgrimieron con ‘Concierto para Fotógrafos' esa analogía entre la fotografía y la música.
”En una época de constantes agresiones imperialistas y desigualdades sociales muchos artistas optaron por hacer obra ‘comprometida'. En el caso de la fotografía, esa opción se traducía en captar imágenes que revelaran las condiciones de atraso, pobreza, injusticia y penetración imperialista. Alejandro Castellanos escribió alguna vez que producir tales documentos fotográficos era como tocar la realidad misma porque hacerlos presuponía haber estado allí , haber presenciado algo social y políticamente importante. Hacer fotografía en el modo documental era descubrir lo encubierto, denunciar, combatir; es decir, llevar a cabo una acción política relevante a través del medio.
“Muchos de nosotros vimos algo de verdad en esta manera de practicar la fotografía y salimos armados con nuestras cámaras hacia las zonas rurales, las comunidades indígenas, las huelgas obreras, los barrios marginales y los frentes de combate. Teníamos la convicción que de, entre todas las artes, la fotografía era la única que no inventaba en un momento histórico en el que no cabía inventar, porque la realidad era más inverosímil y brutal que la ficción. Por eso mismo, cierto desdén por la invención en el arte se instaló en algunos.
“Para los más fundamentalistas fue fácil tomar el paso adicional del desdén a la condena de obras de arte que inventaban o por lo menos que no inventaban correctamente (había que acomodar a Ernesto Cardenal, Gabriel García Márquez, Julio Cortázar, Pablo Neruda y a otros compañeros del boom ). Pero lo que en literatura tuvo el fructífero efecto de orientarla hacia los lenguajes coloquiales, la imaginería popular y la fantasía reveladora, en la fotografía tuvo un efecto más crítico y puntual: alejarse del modo documental parecía no sólo un error de corrección política sino también conceptual.
”Ese paso adicional fue el que tomaron los que más aludidos se vieron por ‘Cross-over Dreams' y a quienes peor les cayó ‘Concierto para Fotógrafos'. Históricamente era un paso incorrecto porque pisoteaba armas genuinas de lucha cultural e incluso política. Si bien a la larga las vanguardias han sido absorbidas por una burguesía capaz de tragarse hasta lo que más pesado le cae, son ellas las que la han desafiado y han puesto al descubierto la superficialidad e hipocresía de sus valores (…)”.
¿Qué fue entonces “Concierto para Fotógrafos”? El propio Ángel Cosmos comprendió que esta obra era evidencia del porvenir de las nuevas tecnologías (el video, el sintetizador) en las artes visuales. El porvenir ya ha pasado y ha ratificado a Cosmos póstumamente. Por su lado, Juan José Diaz Infante comprendió que esa pieza fue una integración de la fotografía, la música y el video, algo que más tarde, con el nombre de “multimedia”, habría de ser el vehículo de Alfredo Jaar, Shirin Neshat y William Kendridge (por nombrar sólo a algunos artistas cuya obra es política). Con las ventajas que proporciona la mirada retrospectiva y el conocimiento de lo acontecido desde entonces, intentaremos interpretar esa obra del grupo Música de Cámara.
“Concierto para Fotógrafos” explota dos aspectos del acto fotográfico, que si bien no son esenciales son casi siempre acompañantes: es ruidoso y su ruido (la música) lo producen las cámaras (los instrumentos) operadas por los fotógrafos (los músicos). El ruido del acto fotográfico es imperceptible cuando el espectador observa una imagen fotográfica. Aun si optamos por una interpretación literal de “ruido”, los fotógrafos entendemos que una de las ventajas de una Leica, una Hexar o una cámara digital es que son cámaras con silenciador. Al dispararlas, los sujetos retratados a lo mejor ni se enteran que han sido fotografiados y pueden incluso ser fotografiados una y otra vez sin que se den cuenta. Sin tal silenciador, el ruido de la cámara prepara gestos, voltea caras y esconde acciones; es decir, cambia el mundo.
Pero la interpretación más importante de “ruido” es figurada. La presencia de una persona armada con un aparato fotográfico es ruidosa aun antes de oprimir el disparador. Esa ruidosa presencia llama la atención y predispone a las personas al acto fotográfico, positiva o negativamente. Frente a un lente fotográfico hay quien es capaz de matar a sus propios niños para culpar al enemigo frente a la opinión mundial.
Aparece en el acto fotográfico una suerte de Principio de Indeterminación de Heisenberg: nuestros instrumentos de observación no nos permiten estar allí y a la vez captar objetivamente la situación. El ineludible ruido de la fotografía cambia el mundo de tal manera que quien practica la fotografía en el modo documental se enfrenta ante la imposibilidad de hacer un registro silencioso y objetivo a la vez. “Concierto para Fotógrafos”, cuya música está hecha literalmente del ruido de los instrumentos fotográficos, resalta lúdicamente esa molesta sonoridad del medio.
El segundo aspecto de esta pieza de Música de Cámara es precisamente la cámara, es decir, el recinto. “¡Concierto para Fotógrafos” se lleva a cabo en un ambiente apropiado para música de cámara, es decir, un recinto que a la vez es, figurativamente hablando, una cámara oscura en tanto sus aspectos fundamentales no están explicitados; es decir, iluminados o esclarecidos. La cámara, cuyo recinto es la metáfora central de la poética del grupo.Si bien la cámara fotográfica misma es parte de un mecanismo para lograr imágenes, esa simplicidad esconde la intencionalidad de su diseño y del tipo de imágenes que logra. Los procesos ópticos, físicos, químicos y geométricos de la fotografía han sido depurados para satisfacer una manera de ver el mundo. Es más, a otro nivel, esa máquina altamente ideologizada se inserta en diversos contextos de intencionalidad sobre el uso e incluso la identificación de lo fotografiado.
El fotógrafo fragmenta el mundo, es decir, lo edita de acuerdo a intereses diversos. Nunca sabemos lo que pasó antes, después, enfrente o al lado de una toma. Nunca sabemos si un evento fue espontáneo y genuino, o provocado por el fotógrafo o preparado para él. La imagen, por su parte, se identifica (interpreta) también de acuerdo a ciertos intereses. No es accidental el hecho que ”Concierto para Fotógrafos” ocurriera al final del régimen de Reagan, que usó la fotografía aérea para justificar su política centroamericana. A pesar de su apariencia de mero mecanismo, la fotografía no se comporta ni mejor ni peor que otros productos culturales. La fotografía en mi pasaporte podría parecerse más a Caetano Veloso que a mí.
La imagen fotográfica se ha hecho parte de nuestra manera de pensar el mundo, es decir, de nuestra mentalidad. El mobiliario del recinto oscuro de nuestra mente estructura el mundo. La irrepetible partitura que en 1985 siguió el grupo Música de Cámara para producir las melodías de “Concierto para Fotógrafos” la entendemos hoy como una crítica de la fotografía pura”.
Hasta aquí esta “tercera mirada” sobre el proyecto de creación interdisciplinaria “Música de Cámara”, que incluyó, no sólo obras que rescatan para la música sonidos de cámaras fotográficas, como en “Sin Titulo”, sino que también ganan obras para instrumentos musicales como el arpa, el piano, la flauta o el órgano, cuyas partituras son fotográficas, como los Fragmentos Ácidos que Díaz Infante llevó al Cervantino.
Y prosigo con Díaz Infante acerca de Díaz Infante Invisible , su penúltima tesis conceptual/perceptual:
”Si para todo, en el mundo, se piden tres presupuestos y siempre se elige el más barato, yo nunca he sido elegido; soy invisible: firma en blanco.
“Invisibilidad, lo que no puede ser visto; una de mis anécdotas favoritas tiene que ver con el descubrimiento de la Penicilina por Fleming, el siglo pasado, básicamente el descubrimiento más importante para la humanidad. Sin embargo, tardó 10 años en que alguien le diera un presupuesto de 1,000 dólares para el segundo paso de su investigación. Fleming tuvo que volar de Inglaterra a Estados Unidos con los cultivos ocultos en su abrigo por si acaso era descubierto por los nazis.
“Harry Potter tiene su capa especial para poder entrar y salir de algunas de sus aventuras y es la invisibilidad la parte esencial de ese filme sesentero: “Charada”, donde la gran fortuna se oculta en el timbre postal durante toda la película. La invisibilidad es el elemento esencial al observar el mingitorio de Duchamp. Es esencial en las claves del beis entre el catcher y el pitcher y aquel que se roba la segunda base. Es la invisibilidad lo que perciben los asistentes del maestro al ver a Leonardo Da Vinci llevar el cuadro de la Mona Lisa de arriba para abajo. Colón nunca vio América, vio la India, no es necesario mencionar a un San Juan Bautista, Johan Sebastián Bach o a Van Gogh. Todos ellos son personajes invisibles”.
Díaz Infante es un artista invisible. Es la manera de producción lógica a un producto cuya naturaleza es ser traslúcido, misión de desarmar y volver a armar la metáfora, su producto es ácido; de tal manera causa daño colateral, ya que unos segundos después es como un antídoto o una comprobación de que el sistema es una ilusión bastante frágil, de que los expertos no son expertos y que las lecturas no son lecturas. Casi todo lo que hace como parte de su ocio requiere de una multilectura y no necesariamente debe de ser visto, por estar fuera de foco, causa bizco y mareo, todos sus subproductos tienen un disclaimer, puede ser bueno para su salud, cuidado se puede volver consciente.
Shbop, Mongolia, 2000
Díaz Infante recitando su poema sonoro SHBOP
Shhhhh…bop bop bop
Shbop
Es necesaria la invisibilidad ante la necesidad de perforar la periferia, es más o menos como cuando la misión de ese equipo suicida en esas películas americanas, que viajan debajo del radar para poder recuperar un microchip o algo así.
“Hay una línea muy delgada entre el arte contemporáneo y la estupidez extrema”, era la conversación o semiconclusión que tenían el flautista canadiense Robert Aitken y Díaz Infante mientras caminaban en las dunas de arena y se tapaba la flauta de Robert; en la práctica, el viento hacía imposible tocar la flauta viendo hacia la dirección donde se suponía el público; ambos estaban perdidos no estaban seguros de haber llegado al sitio donde sería el concierto.
Originalmente la pieza SHBOP era una partitura para tanque de helio y globos, pero debido a una confusión administrativa el tanque y los globos se quedaron en Ulan Bator, a más de 10 horas de viaje en camión. Así fue como Díaz Infante escribió un poema sonoro de los sonidos que hubiese producido si hubiese tenido su instrumento.
“Es increíble que haya más público para el arte de calidad en medio del desierto que en una ciudad de 20 millones” dice con una ligereza aplastante Díaz Infante al referirse a la experiencia del Gobi.
SHBOP se convierte en una pieza dedicada a Pierre Teilhard de Chardin, sobre todo porque el poema está basado en la pieza “La misa sobre el mundo” , misa oficiada de manera “ilegal” técnicamente en el mismo desierto cuando hacía alguna de sus exploraciones en búsqueda del hombre de Pekín. Pierre Teilhard decide estar sobre el mundo para poder oficiar la misa. Al terminar el poema, muchos de sus compañeros de concierto, Joel Sachs entre ellos, se acercaron para decirle que nunca tocara la partitura original y que lo sustituyera definitivamente por el poema sonoro.
El registro del poema se ha convertido en el poema, el video fue hecho por una de las bailarinas, Silvia Buol.
Teilhard de Chardin, filosofo, paleontólogo, jesuita. De los primeros científicos en apoyar el concepto de Evolución dentro de la religión católica, fue el primero en introducir el concepto de Cosmología. La Misa sobre el mundo es un ensayo que es parte del libro El Himno del Universo.
ASESINO CEREAL
Instalación. Caja de cereal y texto
Exposición Registros
en el restaurante Ligaya, México, D.F.
Colección de Mildred MosconaTexto de instrucciones de la caja
U n A s e s i n o
C e r e a lUna historia de la vida real
Era un amanecer como cualquier otro, sobre mi, yacía una caja de cereal perfectamente escultórica. Era bella, alta, esbelta, rubia y de grandes ojos verdes, con una expresión de satisfacción..... e inerte.
Silueta rectangular, aguda, difícil de acariciar a la media luz de la noche, en mi mente repito la escena, sólo me acuerdo con una gran sonrisa de satisfacción una y otra vez…
1:13 a.m.
Ella era tan deseable e irresistible como en la televisión, los 30 segundos más gloriosos de mi memoria adulta. No la odié por que fuera bella; el color de la caja, su contenido neto, su tatuaje para colorear en su trasero y su promoción de 3 crayólas dentro de la caja: !Todo era verdad!
La luz de la luna y su predisposición en aquel estante lograron que en esa noche hiciéramos historia. Llegamos a su departamento después de un largo paseo por la tienda de conveniencia de la esquina, la que está abierta las 24 horas.
Su cartón era de una tesitura suave y arrebatadora, la goma de la ceja cedió fácilmente y sin esfuerzo. La memoria de anoche me rebasaba por completo. Nos besamos, besos de esos de mas de 45 calorías cada uno, !si! ¡de esos!
2:20 a.m.
bolsa. !Por fin! Pude sentir sus corn flakes, con miel y almendras. Mi boca recorría la extensión de la apertura de su bolsa de arriba hacia abajo sin cesar, su almendra, su miel, su almendra, su miel, su miel, su almendra. Su miel era deliciosa y nutritiva, sin colesterol y con pocas calorías por cada servida. Cada hojuela se deslizaba despacio por mi garganta, podía sentir vivamente la vitamina A , B, B1, B2 y B6 en mi sistema, dándome cada vez mas fuerza y energía. Yo cada vez queriendo más, más fosfatos trisódicos, más piridoxina, más colorante del 6, mas fructosa, más zinc, más, más, más....
4:10 a.m.
Ya no podía yo contener mi leche más, Svelty, por supuesto, que disminuye la servida en 21 kilo calorías y 4g de grasa . Mi cuchara nunca la había sentido tan fuerte, tan dura y tan segura. Era demasiado tarde para pensar en cualquier tipo de protección, las servilletas de papel que estaban en el buró, se encontraban demasiado lejos. Metí mi cuchara, primero despacio, luego fuerte, luego mas fuerte, luego despacio, luego súper despacio, luego super,super,super despacio hasta que el movimiento era despacísimo hasta la última cucharada. ....Mm... (suspiro).
5:15 a.m.
Ella estaba acabada, hueca, satisfecha, vacía, inerte. Yo rendido y acurrucado seguía soñando con más de ella.
Deslicé mi mano muy despacio hacia la envoltura de la bolsa de adentro del cartón donde estaba su cereal. Empecé a sobarle con suma delicadeza y cuidado los extremos de su envoltura hasta que logre abrirla
El escritor Omar Gasca define (¿describe?) a Juan José:"Es hábil, audaz, poco formal y menos solemne, pero sus verdaderos méritos provienen de las muchas horas invertidas en el trabajo y de generar y realizar sus proyectos. Sus imágenes no siempre revelan sus inquietudes, quizá porque éstas cambian más rápido de lo que se lleva en producir aquellas". (Gasca, Omar; efe ocho por uno. Temas de reflexión a partir de conversaciones con ocho fotógrafos . Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas, México, 2000, p. 50).
Juan José (se) explica: “El conocimiento del mundo hoy día se duplica cada 6 años, es decir, en cuanto uno sale de una carrera universitaria donde se supone que uno ve el proceso global de un oficio, al graduarse, le corresponden exactamente el 50% del conocimiento global en el mejor de los casos. Ya que si el alumno aprueba con un promedio de 8 (equivalente a 80%), esto viene siendo en términos ‘reales' un 40% neto del conocimiento global al momento de graduarse.
“Me refiero a potencialidad, debido a que en estos momentos se ha vuelto una ‘moda' estar en ella, pero hay pocos usuarios creando situaciones específicas a Internet. En la mayoría de los casos son adaptaciones de piezas o procesos diseñados para otros medios y por ende poco eficientes en la red.
“Se deja atrás el concepto de ‘arte', equivalente a la pintura enmarcada que cuelga en la sala, y pasamos a que sea más común la expresión de arte como proceso de actitud.
“Hoy en día se produce obra ‘contemporánea' que es totalmente anacrónica. Defino arte de punta como el arte que aporta nuevos elementos o nuevas experiencias y no el que repite experiencias en otro medio.
Y concluye: “trans-cultura es el proceso del primer mundo de recuperar (yo quiero suponer inconscientemente) algún tipo de identidad para lograr cohesión interna. Por otro lado el norte se ha dado cuenta de la necesidad de conocer al ‘otro' ”.
“No se pueden conquistar tierras que no se pueden conocer”
Cristóbal Colón
Así, en este intento de explorar estas tierras/continentes aristotélicaskubrikcianas de Díaz Infante, pongo una rodilla en la arena y toco tierra, en silencio, después de esta travesía por el misterio del arte y la palabra, consciente que…
Y cito el ensayo: “Interdisciplina y Complejidad”, de Don Pablo González Casanova,
”En el momento actual, la interdisciplina genera nuevos vínculos entre las ciencias y las humanidades. Los vínculos anteriores –algunos muy antiguos- también se renuevan. Ambos representan contribuciones de enorme importancia para los trabajadores simbólicos, intelectuales y manuales, para los ciudadanos y para todos aquellos que, como profesores, investigadores, estudiantes y egresados del sistema escolar afrontan el problema de la cultura general y de la especialización.
“Todos –aunque muchos no lo sepan- se encuentran en la necesidad de rehacer las relaciones entre ciencias y humanidades, dos áreas cuyos encuentros y desencuentros facilitan o dificultan la capacidad intelectual y moral de comprender y cambiar el mundo.
“Un nuevo camino resultó particularmente rico: la búsqueda de « interfaces » . Esta se dio al principio, tanto en el interior de una disciplina que rompía sus límites, como entre unas disciplinas y otras. Las « interfaces » se fundían o forjaban en relación a problemas teóricos puntuales.
“Las posiciones de avanzada surgieron al principio en la física y las matemáticas; más tarde en la biología y la computación. Provinieron del análisis de sistemas generales y autorregulados, de una nueva ciencia conocida como « cibernética » , de una nueva « epistemología genética experimental », y de la « revolución » de las ciencias de la comunicación y de la organización. Alteraciones profundas echaron abajo tabús milenarios, y deshicieron las perspectivas que sobre la ciencia habían predominado en la Edad Moderna.
“El perfil del cambio se esbozó cuando el austriaco Ludwig Boltzmann hizo una conexión, en el interior de la propia física, entre el microcosmos de las moléculas y el macrocosmos de la termodinámica clásica y sus leyes. Su descubrimiento tuvo un efecto en cadena con ramificaciones que dieron pie, por lo menos, a tres importantes cambios enlazados: 1)el del determinismo, las probabilidades y la información; 2)el de los sistemas cerrados y abiertos; 3)el de una visión nueva en los grados de libertad de los sistemas y en el desarrollo de las medidas matemáticas para la transformación del conocimiento y del mundo.
“De allí que en los cambios se distinguieran dos: aquellos en que se podía controlar la probabilidad o la desinformación mediante información, y aquellos en que no se podía lograr ese control por haberse introducido la « flecha del tiempo » , que en muchos fenómenos de la materia y de la vida hace imposible regresar al pasado.”
Es importante revisar, entonces, los cortes geológicosartísticoscientíficos de las eras/etapas en el arte/ciencia modernos y post, que vienen desde las multidisciplinas –mismo que, junto con el concepto de disciplina viene de principios del siglo XX (finales del XIX) y ya después son necesarias y bienhechoras las interdisciplinas –alrededor de los años 30 o 40 del siglo pasado – y, en nuestros días, ya estamos (por lo menos en el arte) de lleno en las transdisciplinas, donde toda frontera ha sido abolida, por lo menos conceptualmente (o está en vías de serlo).
La interdisciplina y la transdisciplina entre las ciencias, las humanidades, la tecnología, el arte… y el espíritu humano. Es aquí donde encuentro a Juan José Díaz Infante, este prototipo nuevo de seres humanos: artistas/empresarios/
pormirazahablaráelespírituatravésdeunainterfase(a manera de) Conclusión:
Melquíades y Juan José salieron con seis osos de picnic y no invitaron a las hormigas.
Breve ojo: Transdisciplina, nuevo abordaje de las disciplinas, en contraste al de su origen tradicional. Todo camión que diga Escandón-Buenavista lleva a casa.
A veces las palabras vienen tejidas de procesos de moda, donde súbitamente alguien descubre el pasado; un artista transdisciplinario era igual Leonardo que Melquíades. Ambos salían de picnic, ambos amaban la mostaza.
Manos, poesía de la voz; Música de Cámara
Y lo importante de un antihomenaje a Melquíades es recalcar ese transitar por la periferia fuera del sistema, sobre el pasto, con los pies desnudos, el antiarte (visto desde el punto de vista de la institución que tiene calcetines y corbatas y gotas para los ojos), situación que permite la existencia de antiartistas, orgullosos de su antimateria y la ausencia de lentes para leer de cerca.
Díaz Infante, una generación posterior a la de Melquíades , se une al picnic, ya que pudo observar las perforaciones ya hechas al sistema, por debajo del mantel de cuadros rojos y blancos, el comienzo del túnel por donde se puede uno escapar y donde hay más galletas saladas y en su proceso logístico tiende una red de túneles, con mucho atún y mayonesa y chilito y jitomate, túneles especiales con herramientas lógicas para perforar fronteras, con cuchillo filoso para cortar el pan de una manera fácil, en cada ejercicio encontrando nuevas maneras, fuera y dentro del sistema, aprovechando la abundancia de migajas y comiéndose todo el migajón.
Díaz Infante en cada uno de sus picnics mentales parte de aeropuertos todavía más mentales y distintos, con helicópteros y abejas gigantes donde la disciplina es a posteriori. Cabe recalcar que el trabajo de Díaz Infante dentro y fuera de los museos, se sale de ambas tinas de hielo, fuera de procesos ortodoxos y experimentales del arte que son sencillamente etiquetas más hambuguesas que literarias.
Díaz Infante y Herrera siempre experimenta(ro)n las relaciones entre los catalogadores, los que llevan una lista de supermercado, y la existencia de la obra en cualquier 3 de mayo, siempre y cuando no llueva un viernes, ¿existe la obra a partir de su catalogador?
El México del tiempo de los grupos, eran artistas que abrían una senda de la posibilidad de experimentación que rompían en pedacitos el reinado de los muralistas, señores que se tomaban los día de campo de una manera muy seria, los artistas de ahora pueden aprovechar mucha materia sembrada y elotes congelados, muchos espacios abiertos y bosques más y más talados.
¿Podría haber la posibilidad de un catalogador que invente su propio artista y su obra sin necesidad que existan? Los seis osos lo han hecho y nadie los ha cachado.
Si quiere comunicarse con Araceli Zúñiga Vázquez puede hacerlo al e-mail postart@prodigy.net.mx
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